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Teatro universal


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HISTORIA DEL TEATRO UNIVERSAL Y PERUANO





Mg. Rufino Ramírez Cóndor

Lima – Perú 2016

TEATRO UNIVERSAL


ORIGENES
El origen del arte dramático, el teatro o arte de la representación es religioso. En todas las culturas hallamos en sus inicios, procesos de transformación gradual de los actos rituales y de sus mitos religiosos en una expresión dramática. La historia del teatro es la historia misma del hombre que danza, canta y representa escenas de su vida, de su entorno, de aquellos fenómenos que lo maravillan, que lo asombran o de los que puede obtener algún beneficio estético, mágico o de contemplación. Imitar a los animales, a otros hombres, generar expresiones propias para enfrentarse o acomodarse a ellas fueron las primeras expresiones dramáticas. De manera similar se produjo en Grecia, Egipto, Caral, China, India.

El teatro que hoy día practicamos en el Perú, en nuestra cultura, es procedente de la tradición occidental iniciada en los teatros griegos y latinos. En Grecia clásica observamos la tragedia y la comedia como formas literarias y escénicas, sustentadas filosóficamente en la “Poética” de Aristóteles.


ORIGENES DEL TEATRO
El teatro griego se origina en las fiestas dionisíacas que se celebraban una vez al año como celebraciones nacionales. Allí jóvenes disfrazados de machos cabríos o SATIROS confluían en danzas junto al coro femenino de las ménades o BACANTES para homenajear al dios del amor, del vino y la juventud: DIONISOS. Estos himnos o “tragodias” que narraban los hechos del Dios fueron ( foto 1 ) modificando sus formas poco a poco. El sacerdote que inicialmente conducía la ceremonia pasó a ser el corifeo o jefe del coro y posteriormente cuando uno de ellos tomó la figura del Dios para “representarlo” y “dialogar” con el corifeo, nació el teatro. El legendario griego TESPIS que se atrevió a “representar al Dios” en las mencionadas fiestas el año 534 AC, sufrió la ira de Solón que gobernaba Grecia y se vió obligado a trasladarse a otros lugares en su famoso Carro de Tespis y representar en otras fechas y otros escenarios la fiesta o una historia similar con parte o todo el conjunto de intérpretes de los cantos a Dionisos, dando origen plenamente al teatro como hasta hoy lo conocemos. Por ello se considera a TESPIS Padre del teatro occidental.

EL TEATRO CLASICO
El teatro griego y su seguidor el teatro romano constituyen la etapa clásica del teatro, quienes establecen sus principios, leyes, reglas, límites y características. Al comienzo está saturado por el coro que narra los hechos como si fuera el pueblo o la conciencia. Luego irá cediendo su lugar a los actores y a la acción teatral. Sus temas giran alrededor de las grandes pasiones humanas tratadas con las leyes de unidad de acción, unidad de tiempo y unidad de lugar (la representación desarrolla un solo motivo, en un tiempo específico y un solo escenario).

El teatro, entonces, es un acontecimiento multitudinario y como tal las autoridades políticas le conceden un lugar privilegiado, lo alientan, premian a los autores en concursos anuales, lo usan como medio educativo y difusor de ideas, construyen lugares especiales para la representación usando las colinas cercanas a las ciudades. En estos ambientes levantan escenografías sólidas para los espectáculos, con graderías para 5 mil ú ochenta mil espectadores. (Figura )

El pueblo y sus autoridades asistían por días a la representación de las trilogías (3 tragedias y 1 comedia) que eran espectáculos llenos de colorido, música, efectos especiales, desfile de coros, danzantes, músicos.

En tan colosales lugares de representación, los actores usaban zancos o COTURNOS para ser visibles ante la multitud, se vestían con TUNICAS de diferentes colores que los diferenciaban, las MASCARAS de comedia y tragedia mostraban los gestos de los personajes, siempre interpretados por varones, que tenían en la boca una bocina especial que proyectaba la voz. Su progreso significó una mayor riqueza interpretativa y estética, participación de más personajes en la obra y la progresiva eliminación del coro que para ser reemplazado por la acción visible.

A la par que la tragedia, logró también su florecimiento la comedia, en este caso para tratar con una sonrisa y de manera crítica y mordaz los asuntos de estado, los temas familiares y hasta hechos religiosos o políticos.
En la Roma republicana o imperial que conquistó a Grecia y asimiló su cultura, el espacio inicialmente teogónico se transforma en una tribuna político-moral. Cultura de hombres prácticos, disfrutaron mejor de la comedia y mezclaron muy bien pan y circo para el manejo político y militar de la población. Aunque en menor escala floreció también el teatro trágico y serio y hasta un teatro para leer. De toda esta etapa grecolatina, época clásica, contamos con obras teatrales de Esquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes y Menandro, Plauto, Terencio y Séneca, así como los tratados y fundamentos del arte de Aristóteles y Horacio.
EL TEATRO EN LA EDAD MEDIA
Una gran civilización como la romana practicante de la ley del Talión, cedió finalmente a una nueva concepción filosófica, del amor y el perdón propagado por Jesucristo.

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ue una larga agonía para el perdedor y una larga lucha por sobrevivir e imponerse de la nueva corriente. La decadencia del teatro profano en Roma permitió que durante la Edad Media o dominio del cristianismo, se vuelva al espacio teogónico pero ya regido por una nueva religión que basa su autoridad en los textos bíblicos. El teatro revive en la apología de las cruzadas, el drama evangelizador y el auto sacramental revelando el triunfo de la visión católica del universo: el hombre inclinado ante la divinidad. La ilustración de la santa misa, la caída del mal y el ascenso del bien, la vida de ( Foto 2)

Cristo y los apóstoles, son los temas.

Si al comienzo de la difusión del cristianismo las artes decaen, no tardan en reaparecer para su labor difusora y evangelizadora, esta vez en el altar o el atrio de las iglesias y monasterios como escenarios igualmente multitudinarios, con los sacerdotes como los actores y autores de las obras de teatro.

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u uso evangelizador fue intenso y va desde las primeras agrupaciones itinerantes de los Flagelantis, que mostraban en vivo los actos de penitencia para ganar el cielo o la práctica de ciertas virtudes, hasta las representaciones seriadas como el drama de la Sacra Representazzione de Santa Oliva.
Pero paralelo al espíritu sacro y religioso, el espíritu popular cultivó el teatro bufo, la sátira burlesca, con temas religiosos y políticos tratados con comicidad. Este teatro popular divulga y difunde los hechos cuotidianos, desafía a la autoridad y las leyes, al papa y a los curas, se ríe de las desgracias y dolores, se viste de colorinches y máscaras. Al comienzo excomulgados, fueron finalmente imponiéndose y logrando ser aceptados por la colectividad, incluyendo los severos sacerdotes de la nueva religión. Foto 3


LA COMEDIA DEL ARTE Y EL RENACIMIENTO
En el Renacimiento se presenta el predominio de la visión antropocéntrica. El humanismo se convertirá en parte esencial de la transformación conceptual del drama. Hará su aparición la tragedia del poder, la imposibilidad del amor, el teatro político. La época permite el refugio y la expansión del conocimiento, el enriquecimiento del universo teatral y la creación de nuevos espacios: el teatro italiano, el teatro arena, el espacio isabelino, el corral de comedias.

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a escena italiana aporta nuevas convenciones escénicas, así como una nueva relación autor-espectador. Aporta asimismo el surgimiento del drama musical (opera y otras artes menores), el reconocimiento del mimo. En tierras italianas surge la Comedia del Arte, con su predominio de la labor del actor.
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a vigencia de la Comedia del arte radica en su estructura. Un teatro de actores que aprenden el oficio en familia (cual circos actuales) y logran desarrollar el mejor oficio de representar. Surgen los personajes-tipo como el galán y la dama joven con sus amores no siempre bien comprendidos pero llenos de aventuras y romances, el juez, el médico, el sacerdote encopetado, el policía severo y rudo, los criados y criadas pícaras y enredistas, los mayordomos, ladrones y asaltantes, el hombre rico, la dama casquivana y coqueta, entre otros que viajaban de pueblo en pueblo divirtiendo a la gente con temas de actualidad. Desarrollaban los argumentos con gran facilidad de improvisación, producto del oficio de actuar.

Las representaciones se hacían en los corrales de comedias y progresivamente obligaron a construir lugares especiales amplios y llenos de comodidades.

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o que es de lamentar es que de tantos siglos de teatro de la comedia del arte, sólo nos han quedado algunos textos o guiones completos y muchos fragmentos. Los temas se improvisaban, tenían la vigencia y la actualidad como atractivo y por ello casi no se escribían.

Pasaban de un tema a otro fácilmente y se amoldaban a los cambiantes sistemas políticos y sociales. Igual trataban romances caballerescos como hazañas épicas de grandes personajes históricos y religiosos. Quedan algunas obras de Giordano Bruno, Pietro Aretino y Nicola Machiavello.


No hubiera logrado desarrollarse el teatro posterior en la humanidad, sino hubiera existido previamente la apertura que logró la Comedia del Arte. Ningún tema trágico o cómico dejó de tratarse, se desarrollaron las habilidades de actuar, hacer escenografía, utilería, vestuario,

Conocer las características y reacciones del público, la facilidad para fabricar maquinarias teatrales. El arte, en general, logró proyectarse y desarrollarse de manera extraordinaria. Creció la pintura con los grandes genios italianos, la música, la danza, la escultura no solamente en su portento religioso en imágenes y decoraciones de Iglesias y palacios, sino que la arquitectura pasó desde las artes románicas sólidas y colosales, al barroco, al gótico, el plateresco, el manierismo y el arte mudejar gracias a los cuatros siglos de permanencia árabe en el continente europeo.




EL TEATRO EN LA ERA MODERNA
Para nuestro caso, consideramos era moderna a la que sigue al descubrimiento de América que supera en trascendencia a la caída del Impero bizantino.

Como era de grandes realizaciones, tuvo también variantes en la concepción estética, en las orientaciones políticas, económicas y sociales. Por ello se reconocen diversas corrientes en la era moderna.

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l entrar a la era moderna, el teatro occidental alcanza sus niveles de grandeza. El arte en general desarrolló todos los estilos mencionados y floreció junto con la ciencia, la técnica, la filosofía, la literatura. La era moderna dió paso a varias etapas focalizadas en algunos países o corrientes fugaces que marcan sellos distintivos a movimientos artísticos y culturales.
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nglaterra, por ejemplo, aporta el drama isabelino (teatro Isabelino), el carolino y el jacobino, los cuales representan toda una pauta del lenguaje dramático y escénico.
Sobresalen autores como: Jhon Hayhood, Kyd, Marlowe, Shakespeare, Ben Jonson, John Ford.
El más grande dramaturgo universal, William Shakespeare (1616), dominó las técnicas del espectáculo, fue un gran conocedor de la psicología humana y un gran literato. Sus obras resumen todo el pensamiento de la época y evidencian el dominio de las más avanzadas técnicas del arte de representar. Sus geniales obras pasan por dramas históricos, comedias y las grandes tragedias humanas. Con él muchos de los personajes pasan a ser sinónimos de conductas o situaciones humanas. Por ejemplo el celo será Otelo, la ambición Macbeht, el amor imposible Romeo y Julieta, la duda impenetrable Hamlet.
Pero no sólo Inglaterra es el vivo ejemplo del gran teatro. La contrarreforma religiosa y sus efectos generaron en España y sus colonias americanas una nueva cultura que llega a tal nivel que contribuyó a fortalecer el título del Siglo de Oro a aquella época en la que sobresalen grandes literatos y dramaturgos como: Lope de Vega, Tirso de Molina, Lope de Rueda, Guillén de Castro, Ruiz de Alarcón, Rojas, Zorrilla, Calderón de la Barca, Sor Juana de la Cruz, Miguel de Cervantes Saavedra.
El neoclásico es una sistematización rigurosa de leyes escénicas, incluso las codificaciones vocal y gestual. Diderot da la primera sustentación teórica del quehacer actoral, tanto técnica como filosófica. Y la literatura dramática recibe sustento teórico en las obras de Boileau, Lassing y Luzan.
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l Humanismo
se consolida como esencia conceptual del drama. Surgen autores como Racine, Corneille, Beaumarchais, Lessing (dramaturgo), Moratín , Goldoni y el genial francés Jean Bautista Paquelín “Moliere”.

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urge también el Romanticismo, corriente que cambia la concepción de las relaciones del hombre con el universo que lo conducirá a un rompimiento de los moldes neoclásicos. Mas bien se revaloriza el nacionalismo, el folklore, el individualismo y la subjetividad, el predominio de los sentimientos sobre la razón. Entonces se da la supremacía de lo literario en el drama y la poetización del espacio escénico. Representan este movimiento W. Goethe, F. Schiller, Víctor Hugo, Musset, Alfieri, Pushkin, Mickiewics, Wyspianski. F. García Lorca.

TEATRO CONTEMPORANEO
Estos grandes desafíos que la evolución social, política y cultural van delineando para la humanidad tuvieron en la Revolución Francesa en 1789 un sorprendente efecto. Las corrientes pensadoras que buscaban concentrarse o por lo menos crear estilos o escuelas a los que tenían que seguir muchos, terminaron por liberarlos y diversificarlos totalmente.
Todas las corrientes, en primera lugar, se liberaron de las anteriores y desde fines del siglo XIX y especialmente en los primeros años del siglo XX , surgen nuevas tendencias.
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omo corrientes que derivaron del romanticismo tenemos por una parte , el naturalismo que presenta un

enfoque “cientificista” del ser humano, influido por las teorías evolucionistas de Darwin que se aferran a la concepción de la realidad como base del destino humano. La realidad objetiva se convierte en realidad escénica, se niega la subjetividad romántica; surge un nuevo enfoque actoral ante el medio ambiente del personaje. Ejemplos: Darwin, Zola, Antoine, Dalzarte, Dacroze, Hauptman, Strindberg, el verismo italiano. ( Foto 8 )


Por otra parte surge el Realismo que a fines del siglo XIX y comienzos del Siglo XX aporta un nuevo enfoque socio-histórico para la creación del drama. Aquí el hombre es visto como producto de su medio y del juego de posibilidades del libre albedrío. Su base está en las teorías freudianas sobre el hombre. Entonces se da el establecimiento intencional del lenguaje escénico como reconocible ante la realidad inmediata, para su transformación.
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estacan Stanislawsky, Nemirovich Danchenko, Marx, Bentley, Ignacio Ramírez, Hollman (dramaturgia y teoría), Seki Sano, Lee Strassberg, Elia Kazan, Henry Ibsen, Anton Chéjov, Florencio Sánchez y el movimiento rioplantense, O´Neil, Arthur Miller, T. Williams, Osborne, Yeats, Synge, Usigli y la escuela mexicana, Antonio Buero Vallejo, Sastre y las nuevas corrientes españolas.

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ya el siglo XX se ve lleno de otras corrientes renovadoras en el teatro. La más importante en lo actoral es sin duda la impulsada por Stanislavsky. El rompe con la tradición actoral vigente y descubre al actor como ente creativo, intuye un nuevo modo de producción teatral donde el rigor de la investigación determina la articulación del discurso escénico.
Stanislavsky implanta la formación sistematizada del actor y del director. Todo lo dicho produce una estética teatral, comprometida con el contenido dramático y su solución formal escénica, consciente de su ámbito histórico determinado.
Además de Stanislavsky, podemos mencionar a los impulsores y participantes de las varias corrientes renovadoras en el siglo pasado. Por ejemplo: Meyerhold, Vatjangov, A. Dumas, E. Rostand, J. Giradoux, A. Camus, Gordon Craig, Appia, M. Gorki, P. Weiss, L.Andreiev, P. Durrenmant, Jarry y Maeterlinck y el nuevo expresionismo alemán, Piscator, Jacinto Benavente, Luigi Pirandello, Bertold Brecht (realismo dialéctico); Artaud y su teatro de la crueldad; el existencialismo y el absurdo de Eugene Ionesco: Grotowsky; La influencia del teatro oriental: Susuki, danza Butho, Kabuki, Noh, Katakali, danza balinesa, ópera china; Jodorowsky, el Linving theater, el actor´studio, la creación colectiva latinoamericana. Además de los principales escritos de todos los ya mencionados, los textos de Arrabal, Julián Beck, G. Serrau, A. Adamov, S. Becket. Dort, B. Strauss, Th. Wilder, Lukacs, W. Benjamín; Allan Lewis, F. Wagner, Barba, Novo, L.J. Hernández, Usigli, Darío Fo, E. Albee.

El teatro actual se nutre de todas las corrientes anteriores y va impulsando nuevas formas y contenidos profundamente afectado por la globalización, el avance tecnológico, las comunicaciones. Todo ello seguramente va a permitir novedosas e impredecibles formas artísticas no sólo en el teatro sino en todas las demás artes.



TEATRO PERUANO

En el Perú, nuestro arte teatral tiene dos fases bien marcadas. Un teatro prehispánico y otro europeo ú occidental, importado con la llegada de los españoles.


TEATRO PERUANO PREHISPÁNICO
Ya son conocidas las características del arte occidental o griego, pero desconocemos cuáles fueron realmente las del teatro en los pueblos americanos que pese a no tener relación con Europa, alcanzaron niveles de desarrollo impresionante y son ahora las culturas matrices de este continente. Me refiero, por ejemplo, al desarrollo de las culturas caral y maya, azteca e inca. Lamentablemente sus vestigios culturales fueron perseguidos y prohibidos durante la época del Virrey Toledo y su política de extirpación de idolatrías. Por ello es poca la información que se tiene.
Al haberse descubierto Caral y su anfiteatro y otras evidencias de prácticas de arte musical en sus ceremonias, nos seguimos preguntando cómo eran sus ceremonias “religiosas”. Presumimos que las deidades motivaron cultos y éstos “imaginaban” acontecimientos, hechos y expresiones que al ser “representadas” constituyeron formas de teatro. Aún no podemos descifrar los quipus, que ya existen en Caral, 3 mil años de JC y muchos otros vestigios que nos hacen pensar que la “teatralidad natural” de sus hombres los hizo representar. Nos falta precisar qué y cómo.

Estos elementos permiten vislumbrar que estudios posteriores finalmente nos muestren las características de este teatro. Ricardo Roca Rey y Guillermo Ugarte Chamorro han estado en la búsqueda. Luego de las interpretaciones de nuestra cultura realizadas por María Rostowrosky y de los hallazgos arqueológicos de Walter Alva en Sipán, de Ruth Shady en Caral, de los esposos Posorsky en Sechín, de la Misión Italiana en Cahuachi (Nasca) y otros lugares es menester continuar hasta encontrar los fundamentos y formas del teatro prehispánico peruano.


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EATRO PERUANO VIRREYNAL


Al llegar los españoles ingresó también su arte y entre ellos el teatro.

Además, las grandes ciudades como Lima, Buenos Aires, México, Quito, Cusco, Trujillo Ayacucho, Puno fueron lugares privilegiados por las actividades culturales y adonde se concentraban los pintores, alarifes y escultores y adonde llegaban compañías teatrales europeas con obras de teatro, ópera y ballet. Y el aprendizaje fue rápido y surgieron actores y actrices, autores peruanos: Pedro de Peralta y Barnuevo Rocha y Benavides (1644-1738 ) Juan de Espinoza y Medrano ( 1640-1688), José María Pemán


TEATRO PERUANO REPUBLICANO
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n los nuevos tiempos de la independencia y adentrada ya la república, el teatro va a tomar su características más notables y propias. Surgen MANUEL A. SEGURA Y FELIPE PARDO Y ALIAGA y cada uno en su preferencia por lo popular o aristocrático van a ganar a la población. Su teatro sigue siendo el mejor reflejo cultural de mediados del siglo XVIII, y la práctica y difusión del teatro va alcanzar a poblaciones como Ica, Arequipa, Huaraz, Cajamarca, Piura. Se representan obras llenas de patriotismo, pero también con aire nacionalista y muchas veces costumbrista. Además de los nombrados nos quedan obras de:
RICARDO PALMA ( 1833 - 1919 )

MANUEL NICOLAS CORPANCHO ( 1830 - 1863 )

LUIS BENJAMIN CISNEROS ( 1837 - 1904 )

JOSE ARNALDO MARQUEZ ( 1830 - 1903 )

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osteriormente, el arte teatral peruano se incorpora a las corrientes vigentes en el mundo, pero acontecimientos políticos como la guerra con Chile van a resentir el arte. En el caso de las artes pláticas se cimentó un nuevo estilo nacional, pero en el teatro poco a poco el público se alejó de las salas.
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speraremos hasta 1930 para encontrar organizada a la actividad teatral peruana a través de Asociaciones de teatro profesionales y de aficionados independientes y hasta 1946, por ejemplo, para hablar de una Escuela Nacional de Arte Escénico (ENAE) y de una Compañía de Comedias con apoyo del Estado peruano.
Los 12 años de labor que esta Escuela y la Compañía pudieron desarrollar tanto en tareas de formación como difusión teatral en los más ricos del siglo

pasado. Miles de espectadores, centenares de autores y escenarios en todo el país tuvieron la oportunidad de mostrar la riqueza del arte escénico nacional.


Entre 1950 y 1975 surgen también los más grandes autores y actores, el Estado premia y estimula el arte y la cultura en general. Autores como Enrique Solari Swayne, Sebastián Salazar Bondy, Juan Ríos, Bernardo Roca Rey, Eduardo Eielson, Victor Zavala Cataño, Percy Gibson Parra, Guillermo Nieto, Alonso Alegría, Juan Rivera Saavedra, van a lograr prestigiar al Perú.

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as compañías de teatro como la Asociación de Artistas Aficionados, Histrión teatro de Arte, Raíces, Los Grillos, el Club de Teatro de Lima, el Teatro Hebraica, el Good Companions, la Compañía Peruana de Teatro Luis Alvarez, la de Oswaldo Cattone, Lucía Irurita, hacen intensas y muy concurridas temporadas teatrales.
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a obra teatral que más premios internacionales ha recibido y que más veces se ha presentado en el Perú, sigue siendo Collacocha de Enrique Solari Sawyne, que superó las 2500 funciones en todo el país durante el tiempo que se mantuvo en vigencia con Luis Alvarez como su protagonista. Pero es menester dejar en claro que los peruanos hemos tenido la oportunidad de espectar montajes extraordinarios y que dieron prestigio a la escena nacional. La aparición de la radio, el cine o la televisión sin duda han menoscabo su popularidad y su prestigio en algún momento, pero el teatro tiene sus propias razones de supervivencia y aún cuando parecen ser sus competidores, no lo son en la realidad. El arte teatral ha sobrevivido todas las crisis y ha volado con todos los grandes éxitos de la humanidad porque está en la naturaleza del hombre y lo que ocurre con él y su sociedad es parte de su propia existencia.
Pero cuando en 1980 el terrorismo llega a su más alto grado de peligrosidad toda la actividad teatral peruana casi desaparece. Se cierran las salas por los apagones, el temor y la inseguridad ciudadana, la falta de estímulo para el arte y todo el conjunto de dificultades que sufre la población minimizan las expresiones culturales y por ende del teatro.
Apenas los grupos heroicos como Yuyachkany y Cuatro Tablas van a sobrevivir haciendo teatro en una nueva opción, el teatro callejero que va a utilizar plazas y parques para mostrar un nuevo teatro al que denomina social o comprometido a la par de algunos escasos ejemplos de teatro artístico que siguieron desarrollando algunas Universidades pero que, en general, significó el ingreso a una fase estética con una nueva temática y un nuevo estilo de preparación y de actuación.

Los efectos de esta crisis se dieron también en otras disciplinas artísticas, especialmente masivas como la danza y la música o el cine.

Expresiones culturales como las artes plásticas han continuado su labor, claro está, también con las influencias culturales imperantes en estos casi 30 años de crisis nacional.
En estos largos casi 30 años de dificultades es destacable el esfuerzo del Movimiento de Teatro Independiente (MOTIN) que año tras año reúne a todos los grupos de aficionados no sólo para mostrar sus trabajos escénicos, sino para confrontar experiencias y expectativas.
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asada la etapa de crisis profunda, renace el teatro de grupos independientes y grupos universitarios, a diferencia del teatro oficial que decae y agoniza, como es el caso de la Escuela de Arte Dramático que en la actualidad alberga a estudiantes que deambulan buscando una sede propia o por lo menos permanente donde estudiar y mostrar el fruto de sus esfuerzos académicos.
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o que más reclaman los grupos artísticos y los artistas, en su conjunto, en el país, es la definición de políticas respecto a las artes por parte del estado. A la fecha y luego de 1946 el país no conoce de política cultural.


Sin embargo y por iniciativa siempre de la población, cada día se abren más salas de teatro, se forman nuevos grupos que venciendo dificultades anteriores buscan precisar su misión y visión en el desarrollo nacional y es, principalmente en las Universidades privadas y en los grupos de teatro independiente y Escuelas de formación actoral privadas y municipales donde los nuevos autores, actores, directores, escenógrafos y hasta críticos y espectadores confrontan su naturaleza escénica y estética buscando consolidar los niveles necesarios para desarrollar la cultura y el arte nacional.
LEYENDA DE FOTOGRAFÍAS INCLUIDAS:


  1. Lucía Irurita, Sonia Seminario. ENAE.

  2. L. Alvarez . Comedia medioeval

  3. Cavero, Postigo. Comedia Renacimiento

  1. Elenco INSAD. Renacimiento

  2. Rafael Hernández. Drama moderno

  3. Rufino Ramírez. “Babú” de la Gallarda de R. Alberti

  4. Fernando de Soria, Rufino Ramírez, Benjamín Arce, Antonio Cevallos. Comedia contemporánea

  5. Carlos de los Ríos, Luis Alvarez, Rufino Ramírez. “La Sequía” G. Nieto

  6. Elenco “Las Tres Viudas” M.Segura. Teatro peruano

  7. Elenco “Sargento Canuto” M. Segura. Teatro peruano

  8. Elenco de la ENAE con su Director Guillermo Ugarte Chamorro

  9. “Collacocha” 2do acto. Rufino Ramírez- Luis Alvarez- Carlos de Los Ríos

  10. Teatro al aire libre. COVIDA Los Olivos

  11. Rufino Ramírez, Ernesto Ráez, Sergio Arrau, Luis La Roca (Actores, directores

y profesores de Teatro de ENAE-INSAD-ENSAD) Perú contemporáneo


REFERENCIAS
http://teatroperuanoupc.blogspot.pe/http://teatroperuanoupc.blogspot.pe/



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