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Del simbolismo al expresionismo edvard munch august strindberg


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DEL SIMBOLISMO AL EXPRESIONISMO

EDVARD MUNCH – AUGUST STRINDBERG
La pintura es poesía silenciosa y la poesía es pintura hablada” Simonides (s.500 A.C.)


INTRODUCCIÓN
Hacia 1885, según los críticos, comienza en Europa la crisis del fin del siglo, que se manifiesta en todos los campos del saber humano, registrándose una falta de fe en la ciencia y la técnica. Este cambio se produce con el paso del siglo XIX al XX. En las artes se retorna a la naturaleza y a los ideales románticos, influenciados por la filosofía de Nietzsche y Schopenhauer; junto a los estudios psicoanalíticos de Freud.

En los últimos años del siglo XIX hubo grandes cambios en el arte; cambios que abrirían las puertas a las vanguardias del siglo XX. Es el comienzo del “arte moderno”, la ruptura con el arte de la Academia, con la armonía, la proporción y la imitación. Hacia 1863, es cuando surge el movimiento impresionista, que fue evolucionando, pasando por tres etapas: Impresionismo1, Neoimpresionismo2 y Postimpresionismo3. Este movimiento, se dio principalmente en Francia. El resto de Europa no estuvo ajena a los cambios, sin embargo la evolución no fue igual.

En los países nórdicos el arte estaba un paso más adelante, si se quiere, ya que se estaban sembrando las bases del Expresionismo4 , de la mano del pintor noruego Edvard Munch y el dramaturgo sueco August Strindberg.

Ambos evolucionaron en su obra, desde el Realismo5 , en el que se formaron, hasta lo que se dio en llamar el Expresionismo Nórdico6; antecedente e inspiración para los expresionistas alemanes.



CONTEXTO HISTÓRICO
A partir de 1850 con la Revolución Industrial se dio el mayor conjunto de transformaciones socioeconómicas, tecnológicas y culturales de la Historia de la humanidad. Se produce un éxodo rural, migraciones internacionales y aumenta la población en Europa. Se desarrolla el capitalismo y nace el proletariado. La clase dominante es la burguesía y los obreros luchan por tener mejores condiciones de vida. Mientras impera el liberalismo, la clase obrera aboga por el socialismo y el comunismo.

A diferencia del resto de Europa, los países nórdicos manifiestan un gran sentido comunitario, sus sociedades son igualitarias muy cercanas al socialismo. A mediados del siglo XVIII, Montesquieu dijo de ellos: “Los pueblos del Norte han sido la fuente de la libertad en Europa o, lo que es lo mismo, de la libertad que hoy existe en el mundo”7. A finales del siglo XIX y principios del XX se establece el predominio del Parlamento sobre el rey y se introduce el sufragio universal, inclusive el voto femenino. Son sociedades campesinas de recursos insuficientes pero de tradición de cooperación agrícola e industrial. La cooperación libre de la sociedad se opone al liberalismo imperante en el resto de Europa.


EDVARD MUNCH. BIOGRAFÍA Y OBRA


La insistencia en la armonía y la belleza en el arte es una renuncia al ser honrado; sería falso mirar sólo el lado agradable de la vida”

Edvard Munch




Edvard Munch nació en Lóten, Noruega, el 13 de diciembre de 1863. Hijo de un médico castrense de salario modesto, vivían por debajo de su rango social. A los cinco años, su madre muere de tuberculosis, para cuando tiene catorce, su hermana mayor, Sophie, de quince años, perece de la misma enfermedad. Esta tragedia familiar será representada con el tiempo en su cuadro “La niña enferma”. Su niñez y adolescencia están marcadas por desgracias, lo que signaron su carácter: “La enfermedad, la locura y la muerte eran los ángeles negros que vigilaban mi cuna, y me acompañaron a lo largo de mi vida”8.

Su padre, luego de la muerte de su esposa, pasaba largas horas, encerrado, rezando, lo que aterrorizaba a Munch. Esto queda plasmado en su xilografía “Hombre viejo rezando” de 1902. Otras desgracias familiares, como la internación en un instituto psiquiátrico, de su hermana Laura y la muerte de su hermano Andreas, tres meses después de su boda; terminaron por obsesionarlo de tal forma, que se traducen en sus pinturas.

Su padre quería que fuera ingeniero por lo cual pasa poco más de un año en la escuela técnica. En 1880, con su vocación definida, comienza sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios, tomando clases de escultura con Julius Middelthun y más tarde de pintura con Kristian Krogh, Eric Warenskiold y Hans Heyerdahl, artistas de primera línea del arte noruego.

En 1885 realiza su primer viaje a París, donde conocerá el Louvre y tomará contacto con las obras de los maestros españoles. En 1886 realiza su primera exposición, en el Salón de Otoño, en Oslo, donde presenta “La niña enferma”.

En 1889 realiza su primera exposición en Christiania, como único expositor. Presenta obras como “Primavera”, “Conversación al Atardecer” y “Inger en la playa”. El éxito de esta muestra, le valió una beca del gobierno para volver a París, donde permaneció hasta 1892. Asiste a las exposiciones de Manet, Gauguin, Monet, Seurat y los Nabis. De este período son sus pinturas, “Noche en St. Cloud”, “Rue Lafayette”, “Rue de Rivoli” y “Día de primavera en la calle Karl Johan”. De París, viaja a Italia y de allí a Berlín, donde permanece hasta 1895. Aquí frecuenta los círculos literarios donde conoce al dramaturgo August Strindberg. Es invitado a exponer sus obras, que provocaron un verdadero escándalo. La crítica fue demoledora y la exposición debió cerrarse apenas abrió. Esto tuvo consecuencias posteriores, que desembocaron en la creación de la “Secesión de Berlín”. De esta época datan sus obras “El grito”, “Ansiedad”, “Celos”, “Madonna”, la simiente del Expresionismo Nórdico y las bases de la doctrina del Expresionismo alemán.

A partir de 1894 aprende la técnica del grabado, realizando primero aguafuertes y desde 1985, litografías y xilografías.

En 1898 vuelve a Alemania hasta 1908. En1902 expone sus pinturas sobre la vida y la muerte.

A pesar de viajar permanentemente por Europa, los veranos los pasa en Noruega, donde pinta paisajes de su tierra como “Noche invernal” y “Noche blanca”.

Hacia 1907, su estilo cambia, sus pinceladas ya no tienen la misma fuerza, probablemente debido a la crisis nerviosa que en 1908 lo lleva a internarse en una clínica psiquiátrica.

Posteriormente se retira al campo, donde reside hasta su muerte. De todos modos no deja de pintar. En 1912 realiza un mural en la Universidad de Oslo, siendo el principal “El sol” y en 1918 expone nuevamente su Ciclo de la vida, cuadros en los que trabajó en los últimos treinta años. En 1921 lleva a cabo un mural en el comedor de una fábrica de chocolate. Murió en Ekely, el 23 de enero de 1944 a los ochenta años de una neumonía.



AUGUST STRINDBERG. BIOGRAFÍA Y OBRA

No se puede tener otra tarea en cuanto a la vida que conservarla hasta morir”

August Strindberg




Johan August Strindberg nació en Estocolmo el 22 de enero de 1849. Era hijo de un comerciante arruinado y de una criada. Asistió en forma discontinua a la Universidad de Uppsala y realizó diversos trabajos: actor, periodista y bibliotecario. Comienza a escribir a los veinte años, dentro de un marco realista y con un abierto rechazo al romanticismo e influenciado por la obra de Ibsen. Su escritura se vuelca al naturalismo como resultado del análisis minucioso de la realidad. Sus obras en un punto son autobiográficas. De esta época son “El padre” (1887), “La más fuerte” (1889) y “La Señorita Julia” (1889). En ellas trata problemas sociales como la crítica al matrimonio como institución religiosa y social; y los derechos de la mujer. Su teatro es introspectivo y algunos críticos lo sitúan en un realismo psicológico en relación a las motivaciones de sus personajes y el estudio que hace del individuo. Sus obras tratan enfrentamientos psicológicos resueltos en forma violenta.

En 1882, el autor ataca a la clase política y a un reconocido historiador de su país, provocando una reacción adversa que lo lleva a exiliarse voluntariamente por seis años. Vive en París, Suiza y Alemania.

En 1891, regresa a Suecia brevemente, emprende un nuevo exilio, esta vez a Berlín, donde se dedica a la bohemia, conoce a Edvard Munch y prácticamente no escribe.

Vuelve a París en 1894, aquí su manía de persecución, la soledad y falta de recursos económicos, hacen que se dedique a la bebida, droga y estimulantes. Para esta época, dos de sus tres matrimonios habían terminado en divorcio.

A partir de 1897, atraído por el mundo de los sueños sus textos se vuelven simbolistas y cuestiona las verdades religiosas. De esta etapa son “Inferno” (autobiografía 1897), “Brottochbrott” (1899). Vive una etapa de misticismo que también le acerca al catolicismo.
Instalado definitivamente en Estocolmo, cumple su sueño de abrir su propio teatro “Intima Teatern” y se adentra en el Expresionismo, con obras como “Camino a Damasco”, “La danza de la muerte” (1900), “El sueño” (1901) y “Sonata de los espectros”.

Además de su obra escrita se dedicó a la pintura, la fotografía y la alquimia. Se casa por tercera vez en 1901, divorciándose en 1904. No es de extrañar su marcada misoginia en relación a sus tres divorcios y el desprecio que sentía por su madre, haciendo que la diferencia social entre sus progenitores se vea reflejada en su obra autobiográfica “El hijo de la criada”(1886).

Strindberg escribió alrededor de 70 obras de teatro y gran cantidad de novelas, poemas, ensayos, historia. Murió de cáncer en Estocolmo el 14 de mayo de 1912.
PINTURA Y TEATRO
Para cuando Edvard Munch comienza a pintar, Noruega se halla influenciada por el Realismo, los pintores retratan la vida de los humildes y campesinos, ya que por entonces el país nórdico dependía de una economía rural. Se formó en el realismo de Courbet, pero pronto cambiaría el rumbo tomando clases con los pintores naturalistas, Kristian Krohg y Frits Thaulow, cuñado de Gauguin, en la “Academia al aire libre”.

El Naturalismo9, surge hacia 1884 cuando los pintores y escritores, comienzan a sentir un gran rechazo por los prejuicios burgueses y la moral convencional que manifiesta la sociedad de la época; expresando una reacción contra las ideas racionalistas y materialistas.

Munch se une a la bohemia de Christiania (antigua denominación de Oslo), cuyo líder es Hans Jaeger, escritor, ateo y revolucionario. Fundan un periódico llamado “Los Impresionistas”, desde donde abogan por el naturalismo en el arte, el libre pensamiento religioso, los derechos de la mujer y el amor libre. De esta época es su pintura “Muchacha en la Mañana”.

[1] Muchacha en la Mañana. 1884.

En 1885 obtiene una beca en París, donde conoce el Louvre y el Salón. Su pintura se ve influenciada por Velásquez y Manet, como se puede ver en “El pintor Karl Jensen-Hjell”.

Descubre la pintura postimpresionista, en especial a Van Gogh, teniendo éste gran influencia sobre Munch, en lo que al tratamiento del color se refiere, tomando como aquel, el color de forma subjetiva, independientemente de la forma. Así pinta, los que muchos consideran su obra maestra: “La niña enferma”, en una clara evocación de su hermana Sophie.



[3] La niña enferma. 1885-86

[2] El pintor Karl Jensen-Hjell. 1885
Para Jean Selz (1976), esta pintura tiene una resonancia poética, siendo las pinceladas y el color, extremadamente delicados; sus líneas son precisas y no se expresan los sentimientos del autor.10 A raíz de esta obra Munch escribe:”Mi trabajo en La niña enferma, hizo que se despejaran nuevos senderos y se produjo un quiebre total en mi arte. Muchos de mis trabajos posteriores, deben su origen a esta pintura”11.

Siguiendo los pasos del dramaturgo noruego Henrik Ibsen; August Strindberg se adentra en el realismo primero con obras como “La cámara roja” de 1879, en la que satiriza las instituciones y la situación de su país en ese momento. Luego evolucionará al naturalismo y se lo encuadra junto con Ibsen en el Realismo Psicológico, ya que sus personajes son tridimensionales; es decir, dotándolos de una complejidad psicológica profunda, que proviene del alma de los mismos. Sus personajes son seres reales, de carne y hueso, que sufren y sienten, no son lineales, porque el espíritu humano no lo es.

Para Hegel y Schopenhauer, solamente a través de la música puede conocerse la verdad universal. Richard Wagner propone la imprescindible convergencia de todas las artes, buscando en la música el código rector de integración total: música, dramaturgia y pintura. El escenógrafo y teórico Adolphe Appia, va más allá en su estudio del drama wagneriano y determina que el arte es la fusión de la palabra, la acción y la plástica bajo el poder de la música.12 Los simbolistas abrevan en estas ideas para fundamentar su teoría. Este movimiento está contra los valores del materialismo de la sociedad industrial, proponiendo una búsqueda interior y la verdad universal, utilizando los sueños como medio para expresar la realidad. Para los simbolistas la vida es creada por el arte. Lo importante es lo que se siente, no lo que se ve. El rechazo al Naturalismo queda plasmado en el manifiesto literario simbolista de 1886, donde Jean Moréas (poeta griego de expresión francesa) lo define como: "Enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad, la descripción objetiva"13.

Ya en 1888 y 1889, Edvard Munch pinta sendos cuadros de sus hermanas “Atardecer”, de su hermana Laura y “Noche de verano (Inger en la playa)”, de Inger.



[4] Atardecer. Laura la hermana del artista. 1888 [5] Noche de verano (Inger en la playa). 1889


En ellos, si bien son de corte naturalista, la disposición de ambas, en el lateral de la pintura, nos muestra en forma simbólica, la soledad y el aislamiento en que se encuentran.

En 1890, residiendo en París, con una beca, Munch se entera de la muerte de su padre y pinta “Noche en St. Cloud”. Según los críticos, vuelca en esta pintura su tristeza, reflejada de forma simbólica, por la sombra de una cruz en el piso, que no es otra cosa que el marco de la ventana. Se cree que la figura del cuadro, es el poeta simbolista danés, Emanuel Goldstein.

[6] Noche en St. Cloud. 1890

En1891 conoce el trabajo de Seraut, y aunque sus pinturas no tienen la técnica del puntillismo propiamente dicha, se acercan bastante, como “Rue Lafayette” y “Rue de Rivoli”.



[7] Rue Lafayette. 1891 [8] Rue de Rivoli. 1891


“Mística de la playa” de 1892 es uno de sus paisajes simbolistas. En la mayoría de sus pinturas marítimas diurnas, el sol está presente, tiene forma de “i”, es un círculo por encima del mar y se refleja en este, en una línea gruesa del mismo color. Se asemeja a un gran ojo que presencia la tristeza o melancolía, a veces el dolor de los personajes del cuadro. ¿Dios, quizás? En cualquier caso la sensación es casi mística. Lo mismo puede verse, en este caso en un paisaje nocturno, “Claro de luna” de 1895, donde la luna tiene la misma forma del sol, que en la pintura de 1892.

[9] Mística de la playa. 1892 [10] Claro de luna. 1895


En 1888, Strindberg escribe su famosa obra “La Señorita Julia”, que al igual que la pintura de Munch, es naturalista, sin embargo está llena de simbolismos.

Narra el desafortunado encuentro sexual entre un ambicioso lacayo y una joven aristócrata, hija de un conde, por demás neurótica. Lo novedoso en Strindberg es el tratamiento de las réplicas y el lenguaje empleado, planteando la diferencia de clases. Es una nueva visión del teatro aplicada al texto y su representación. El clima de esta obra es de congoja, amargura y sufrimiento aceptado. Hay una evidente negación a la utopía liberadora de la mujer.

La obra transcurre en la noche de San Juan, es cuando muere el invierno; fiesta pagana que exacerba el erotismo y permite el cambio de roles por unas horas. Como símbolos se pueden notar las botas del conde, que permanecen en escena durante toda la obra y marcan la presencia del conde, padre de Julia, con todo su poder. Es el dueño de todo lo que hay en la casa, incluso su hija y sus criados. Esa presencia omnipresente hará temblar a Juan, más de una vez, ajustando su rol al que debe ser, el de criado. Las limpiará como símbolo de lavar la culpa por lo que ha hecho. Los botones con corona del lacayo. Símbolo de pertenencia a la casa y por ende al conde. La intención de Julia de matar a su perra porque ‘se había ido detrás del dogo del guardabarrera14 y la muerte del pájaro a manos de Juan, simbolizan el rito de purificación de la sangre. La jaula del pájaro simboliza la falta de libertad de Julia para decidir su destino, sólo se abrirá para matar al pájaro. Ella sólo será libre suicidándose.

También se podría hacer una relación entre los personajes y su destino bíblico:

El conde, omnipresente, sería comparable a la figura de Dios. El Señor.

El lacayo Juan, representa al siervo de Dios, “… si ahora el conde bajase… y me mandara cortarme el cuello, pues me lo cortaría sin más.”15

Julia, la hija del conde, es la pecadora y deberá morir para lavar la honra del padre.

La cocinera, Cristina, refiere a Cristo. Transmite la Palabra, “…los últimos serán los primeros…”16

La escenografía marcada por el autor, está tomada de la pintura impresionista, asimétrica y sin rematar para que la fantasía del público pueda completarla y coloca las butacas por encima de las rodillas de los actores, dando la perspectiva a vuelo de pájaro.

Munch y Strindberg aún no se conocen sin embargo tienen un pensamiento similar con respecto a su obra.

Munch escribe en su diario: “No deberíamos pintar más interiores con hombres leyendo o mujeres tejiendo, Deben ser seres humanos que respiran, sienten, sufren y aman. (…)”17

Strindberg, anota en el prólogo de “La Señorita Julia”: “(…) no me gustan los caracteres teatrales (…) he hecho a mis personajes más vacilantes, desequilibrados, mezcla de viejo y de nuevo (…) Mis almas (caracteres) son conglomerados de grados de civilización pasados y actuales, (…) de trozos de seres humanos (…)”18

Entre 1892 y 1908 Edvard Munch pasa la mayor parte del tiempo en Alemania. En el primer año de su estadía, expone su obra en el Círculo de artistas berlineses. Sus pinturas no fueron entendidas, provocando el cierre de la exposición, a la semana de su apertura. Esta decisión hace que un grupo de pintores, al frente de los cuales está Max Liebermann, abandonen el Círculo y formen la Secesión de Berlín. Este incidente le otorga al pintor noruego, la fama necesaria para realizar exposiciones en toda Alemania, influyendo en el arte centroeuropeo de tal forma, que se manifestará en el Expresionismo de los primeros años del siglo XX. También lo estimula a seguir pintando.



En 1893 pinta “El grito”, su obra más conocida. Él mismo cuenta que: “Iba caminando con dos amigos por el paseo –sobre la ciudad y el fiordo azul oscuro no veía sino sangre y lenguas de fuego –mis amigos continuaban la marcha y yo seguía detenido en el mismo lugar temblando de miedo- y sentía que un alarido infinito penetraba toda la naturaleza.”19
[11] El grito. 1893

Según los críticos, esta pintura marca su paso al Expresionismo. Su estilo cambia, dejando de lado lo académico para interesarse en lo dramático a través del movimiento del color. Para Selz (1976) es típicamente expresionista, desde su mismo título. La pintura es de líneas onduladas, de trazos suaves y formas vacilantes, mostrando incertidumbre e inestabilidad, dando una imagen de ansiedad en el hombre, que crece vigorosamente.

En esta, como en sus siguientes obras, se muestran escenas dramáticas donde se ponen de manifiesto los sentimientos del autor y su tragedia interior: “Ansiedad”, “Cenizas” y “Melancolía” de 1894.

[12] Ansiedad. 1894

[13] Cenizas. 1894

[14] Melancolía. 1894


[15] August Strindberg. 1892

En Berlín, Munch frecuenta los círculos literarios, donde conoce a August Strindberg, pintando su retrato en 1892. Se reúnen en una taberna llamada “El lechón negro”, donde beben profusamente y hablan de misticismo, psicología, del pesimismo de Schopenhauer y el nihilismo de Nietzsche. Un tema que tratan frecuentemente es el sexo, en especial los aspectos sensuales y demoníacos de la naturaleza femenina. Aquí conocen a la esposa del novelista polaco Stanislaw Przybyszewski, Dagny Juel; conocida como “El Espíritu”. Tanto Munch como Strindberg estaban enamorados de ella. Con el dramaturgo, tuvo un amorío breve y catastrófico y terminó acusándola de voluble, vampiro y bruja. Para el pintor fue modelo de su obra “Madonna” e inspiración de “Vampiro”, ambas de 1894 y “Celos” de 1895. Dagny sería asesinada posteriormente, por un discípulo de su marido, del cual también era amante.

[18] Celos. 1895
[16] Madonna. 1894 [17] Vampiro. 1894

Entre 1894 y 1897 August Strindberg, divorciado dos veces, alcohólico y consumidor de drogas y estimulantes, entra en una grave crisis psíquica y moral. Está obsesionado por el ocultismo y la alquimia. Durante este período escribe su autobiografía “Inferno” y “Combate con el ángel”.

En 1895 Munch conoce al dramaturgo noruego Henrik Ibsen y en 1897 realiza los diseños escenográficos de algunas de sus obras y le hace un retrato en 1898.

[19] Programa de “Peer Gynt” de Ibsen. 1896

[21] Henrik Ibsen en el Grand Café. 1898

[20] Propuesta escenográfica para “Espectros” de Ibsen 1897


“Florecimiento del dolor” de 1898 es utilizado como portada de un periódico alemán, donde escribe Strindberg con ilustraciones de Munch.

El dramaturgo escribió algunos poemas sobre el pintor para la Revue Blanche. Según Ferrer Barrera (Internet) Strindberg hace una interpretación del sueño en relación a las pinturas de Munch, que probablemente haya tenido influencia en Picasso y su contacto surrealista hacia 1925. [22] Florecimiento del dolor. 1898

“Crepúsculo: el sol se pone, el manto de la noche
desciende, el crepúsculo transforma a los mortales en
espectros y cadáveres en el preciso instante en que
regresan a casa para envolverse en las mortajas de sus
camas y abandonarse al sueño. El sueño, esa apariencia
de la muerte que regenera la vida, esa capacidad para
sufrir creada en el cielo y en el infierno”20

A partir de la crisis, la escritura de Strindberg evoluciona. Su obra incorpora sueños, pesadillas, alucinaciones y fantasías. Presenta un mundo violento y distorsionado por la presión de las emociones. Las imágenes y el lenguaje expresan sentimiento e imaginación, antes que la realidad. Abandona las unidades del teatro clásico: acción, tiempo y espacio. Su teatro se vuelve complejo. Se adentra en el Expresionismo con “Camino a Damasco” (1898), donde las alucinaciones irrumpen en escena: “Me parece que estoy caminando en mi sueño como si la ficción y la realidad estuvieran unidas”21.


[23] Escenografía de “Camino a Damasco”22

En “Sueño” (1902), considerada netamente expresionista y tomada como ejemplo por Artaud y los surrealistas, narra un viaje de la hija de la diosa Indra a la tierra, el infierno del hombre, donde sólo hay desengaño, dolor y desesperación.

En 1902 funda en Estocolmo el “Intima Teatern” a fin de poder representar sus obras. Se trata de inducir al espectador a completar la imagen, a través de la poca escenografía y los juegos de luces y sombras.

Cabe destacar que una de las características del teatro expresionista del siglo XX es la distorsión y la exageración a través del uso de la luz y la sombra. El mundo que se crea en el escenario es de pesadilla.

En su propio teatro estrena “El pelícano”, “El Incendio” y la “Sonata de los Espectros”, todas de 1907. En esta última, la acción se desarrolla en una casa donde los inquilinos representan los vicios de la humanidad, donde lo mejor parece ser morir para descansar del infierno que es vivir.

En 1902, Edvard Munch expone su Ciclo de la vida, donde recopila su obra sobre la vida y la muerte. Ese mismo año protagoniza un confuso episodio. Por esa época mantenía un romance con Tulla Larsen, una pelirroja de buena posición que pretendía casarse con él, que se negaba por no disponer de recursos suficientes. Ella se combina con amigos comunes que le dicen a Munch que está muerta. Cuando va a verla, ella se sienta en la cama, pensando que estaría contento por su “resurrección” y se avendría a casarse. En la violenta discusión que se produce, con sus amigos, se dispara un arma haciéndole perder al pintor, un dedo de su mano izquierda.

A partir de aquí se agravan sus delirios de persecución, sus amigos se transforman en enemigos; cae en un permanente estado de temor y desconfía de todos, hasta que en 1908 se interna en una clínica de enfermos mentales. A pesar de ello, nunca dejó de trabajar.

Después de esto su estética cambió. Según Selz (1976) en sus pinturas anteriores, de corte expresionista y aún las de estilo más clásico, pone atención en el movimiento de la composición, la técnica de las pinceladas y en la armonía de los colores. Su naturaleza pesimista siempre fue evidente, pero no se detecta violencia. En este período su pintura es extendida en la tela a borbotones, de forma violenta y desordenada. Sus pinceladas son rápidas y anchas, la pintura es aplastada sobre la tela de forma visible y no hay armonía en el color. Como ejemplo de este período son: “Caballo galopando” y “El Asesino” de 1912.



[24] Caballo galopando. 1912 [25] El asesino. 1912


Un aparte merecen las pinturas de Strindberg. Se le reconoce autoría de ciento diecisiete cuadros, pintados en épocas de crisis personal. Según los críticos, son cuadros únicos en su época ya que no se vinculan con la realidad. Son la evidencia de su angustia y probablemente autorretratos simbólicos de su desorden interior. Se lo considera como precursor del Expresionismo Abstracto Americano23 de la década del 50 y del Informalismo24.

[26] Noche de celos. 1893 [27] Gólgota. 1894



[28] La ola VII. 1901



CONCLUSIÓN
“Las artes visuales, y todas las artes están profundamente enredadas, como causa y síntoma, en el proceso general de la historia. Tienen en este proceso una función originaria: prefiguran y dan precisión plástica a inhibiciones y aspiraciones que de otro modo permanecerían reprimidas”25.

Más allá de esta aseveración de Read, totalmente veraz, se puede ver un paralelo en la obra de Munch y de Strindberg. Cada una de las expresiones vertidas sobre uno de ellos, puede ser aplicada al otro.

Ambos tuvieron una infancia difícil, quedaron huérfanos de madre a una edad temprana, lo que se traduce en melancolía, pesimismo y posteriormente en “desvío psicopatológico”26; que obviamente influirá en sus trabajos.

[29] Junto al lecho de muerte. 1895 [30] La madre muerta. 1893

La muerte, siempre presente, como fuente de ansiedad y estímulo creativo; para Munch en pinturas como “Junto al lecho de muerte” o “La madre muerta”, por nombrar algunas y en Strindberg sus personajes conducen al crimen psicológico a través de la violencia, o al suicidio, como en “Señorita Julia”, o son muertos en vida como en “Sonata de los espectros”. Ambos compartieron una visión de la mujer que es deseada y que seduce, pero a la vez la sienten temida y destructora del hombre. Munch tiene varias experiencias desgraciadas y Strindberg, tres matrimonios desastrosos y varios amoríos que terminaron mal, inclusive estuvieron enamorados de la misma mujer.

Siguiendo las ideas de Wagner, Appia y los simbolistas, la obra de ambos parece regida por la música.
[31] Las tres edades de la mujer. 1894 [32] Mujeres I. 1895

Munch toma un tema y lo repite en el tiempo en diferentes obras, como ejemplo se puede tomar “Las tres edades de la mujer” de 1894, “Mujeres I”, aguatinta y punta seca de 1895, síntesis de la primera y “Mujeres II” punta seca y grabado de 1895, parecida a esta última; el mismo tema está en “La danza de la vida”.

[33] Mujeres II. 1895


[34] La danza de la vida. 1899-1900


Strindberg dice “(…) el diálogo también derive, nutriéndose en las primeras escenas de un material que luego se va desarrollando, surge de nuevo, se repite, se transforma, se superpone, como el tema en una composición musical”27.

“Puedo ver la persona detrás de la máscara”28 decía Munch. Strindberg se dedicó a quitar las máscaras a sus personajes, ahondando en su psiquis y poder ver más allá.

Ambos pintaron y escribieron, hicieron del alcohol y las drogas, una constante, lo que unido a una personalidad obsesiva, introspectiva y solitaria, sintiéndose aislados en un ambiente hostil; los llevaron a la internación psiquiátrica, pero también, a la producción de obras maravillosas.

La magia de sus obras reside en su locura.

Tanto Munch como Strindberg son considerados como padres del Expresionismo. Munch con su pincelada ondulante, encerrando masas de colores vivos, con pocos detalles; lírico y dramático, mostrando las emociones humanas. Strindberg cambiando el argumento lineal por sucesos de carácter simbólico que permiten ver la verdadera esencia de los personajes. En ambos está presente el desarrollo posterior de las vanguardias del siglo XX.

Por todo esto, se puede decir que el pintor noruego Edvard Munch y el dramaturgo sueco August Strindberg recorrieron el mismo camino a lo largo de su producción.



NOTAS

1 Impresionismo: Si bien hay música y literatura de corte impresionista, el término se aplica a la pintura, su lado más conocido. Los cuadros impresionistas deben responder a ciertas características: “debe estar inspirado en algún modelo real –figura, naturaleza muerta o paisaje-, directamente observado por el pintor; debe haber sido ejecutado enteramente del natural, es decir, frente al motivo que lo inspiró, y estar tratado con toda la espontaneidad de una improvisación.” Las pinceladas son cortas, como comas y se utilizan sólo los colores puros, descartando totalmente los blancos, negros y colores terrosos. Se representan aspectos generales del motivo, dando prioridad a la luminosidad y no a la forma de la figura. No interviene el conocimiento intelectual, es una experiencia visual. Se pinta al aire libre. Payró. Fotocopias.

2 Neoimpresionismo: También conocido como divisionismo o puntillismo debido a la técnica utilizada, se desprende del Impresionismo. Desarrollado por Seurat y Signac, se interesa por el volumen y la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición. De formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles). Utilización del principio de la mezcla óptica: los tonos son divididos o descompuestos en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal. La técnica se de nomina puntillismo: los cuadros son pintados mediante pequeñas pinceladas o punteados usando colores puros para así lograr la mezcla óptica. Signac fue el teórico del movimiento y su representante más riguroso. En 1899 publicó un libro titulado "De Eugène Delacroix al Neoimpresionismo" a partir del cual surgió un gran número de seguidores. Arte Universal. Internet.

3 Postimpresionismo: Estilo pictórico de finales del siglo XIX y principios del XX. Es una extensión del impresionismo y también un rechazo a las limitaciones de éste. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. La idea es no reflejar fielmente la naturaleza, presentando una visión más subjetiva del mundo. Se caracteriza por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal. Sus representantes: Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Wikipedia. Internet.

4 Expresionismo: Corriente artística por la que se expresan los sentimientos y emociones del autor, antes que la realidad objetiva. Las circunstancias históricas, lo que conlleva la modernización, la masificación, la alienación y el aislamiento en las grandes ciudades, provocaron una angustia existencial en los artistas, que tradujeron en su obra, mostrando el lado pesimista de la vida y captando los sentimiento íntimos del ser humano. Las obras expresionistas muestran una escena dramática, una tragedia interior. Arte España. Internet.

5 Realismo: A mediados de siglo XIX, en Francia, ciertos artistas se propusieron reflejar la sociedad del momento en contraposición con las fantasías y los sueños románticos, en un doble proceso: por una lado se elimina lo fantástico y excesos sentimentales; y por el otro lado, se desarrolla un interés por la naturaleza, lo regional, las costumbres sociales y la vida cotidiana.

6 Expresionismo Nórdico: Período preliminar al Expresionismo, representado por el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch, en lo que a pintura se refiere. En cuanto a la literatura, Henrik Ibsen, en sus últimos trabajos y August Strimberg, fueron sus representantes. Muestra la desolación del hombre a raíz de los avances tecnológicos, la alienación y la angustia existencial. Expresa los sentimientos del autor. Hay una crítica a la sociedad de su tiempo.

7 Arte Historia Europa del Norte. Internet.

8 Selz. 1976. Pág. 11.

9 Naturalismo: Se basa en la reproducción objetiva de la realidad en todos sus aspectos, su objetivo es la explicación del comportamiento de los seres humanos, mostrando lo peor de la sociedad: la herencia genética, las lacras sociales (alcoholismo, prostitución, pobreza, violencia) y el entorno en que vive el individuo. Critica la constitución social, lo ideológico y la injusticia. Es pesimista debido al determinismo, que implica no poder escapar de las condiciones sociales que rigen la vida porque es imposible hacer nada para cambiarla. Su objetivo es explicar el comportamiento del ser humano a través de la descripción del entorno social. Solero-Stilman. Internet.

10 Selz. 1976. Pág. 12.

11 Selz. 1976. Pág. 12.

12 Rivero. Internet.

13 Wikipedia. Internet.

14 Strindberg. 1982. Pág. 217.

15 Strindberg. 1982. Pág. 226.

16 Strindberg. 1982. Pág. 224.

17 Selz. 1976. Pág. 18.

18 Strindberg. 1982. Pág. 167-168.

19 Ferrer Barrera. Internet.

20 Ferrer Barrera. Internet.

21 Aguilera. Internet.

22 Innes. 1995. Pág. 65.

23 “1947 puede considerarse el año de inicio del Expresionismo Abstracto Americano cuando sus representantes crean un lenguaje propio. Coincidió con el Informalismo Europeo, por lo que tienen muchos puntos en común: de carácter antropocentrista, dejan traslucir los estados de ánimo de sus autores y las obras son el vehículo para expresar sus emociones. Grosores acusados, chorreados, goteos, en América tuvieron dos modalidades: el gestualismo y los campos de color”. Historia del Arte. Internet.

24 “El Informalismo es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut.” Wikipedia. Internet.

25 Read. 1988. Pág. 50.

26 De la guardia. 1947. Pág. 334.

27 Strindberg. 1982. Pág. 172.

28 Selz. 1976. Pág. 61

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Taller de Reflexión Artística I. Lidia de Gonzalo. Legajo 43121




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