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Circunstancias Históricas


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TP Historia del arte 3er año 4ta y 5ta division

Profesora: Cristina Maciel




REALISMO 1840-1880

Movimiento artístico y literario cuyo propósito consistió en la representación objetiva de la realidad, basándose en la observación de los aspectos cotidianos que brindaba la vida de la época.
Circunstancias Históricas: su aparición y desarrollo fue fruto de la agitada situación política francesa desde la proclamación de la República (1848), hasta el advenimiento de la Comuna de París.

Surgen los primeros movimientos obreros y proletarios que inspiran nuevos sentimientos sociales y nuevas ideas políticas.

Este realismo comenzará como movimiento reivindicativo: la representación del pueblo sin idealismo. Así lo ratifica uno de los pintores del grupo, Courbet, declarando “Yo no soy solo socialista, sino también demócrata y republicano, partidario de la revolución (...) en una palabra, un amigo sincero de la autentica verdad”.

El desarrollo del Realismo estuvo también vinculado a los avances tecnológicos de la Segunda Revolución Industrial: ferrocarril, telégrafo, teléfono, y otros.

En estos mismos años se elaboraba la filosofía positivista de Compte para afrontar la realidad directamente con las armas de la razón, para someterla a sus leyes. La pintura realista tendría en común con la filosofía positivista su interés por la observación meticulosa de la realidad.

La vinculación del Realismo estuvo dada también por la aparición de la fotografía (1850), cuyo descubrimiento hacia posible reflejar la realidad de un modo más perfecto que la pintura.


Características generales:


  • Veracidad: criticada por autores posteriores como de pintura “feista” por representar a la sociedad existente, al retratar a campesinos o trabajadores.

  • Contemporaneidad: el tema valido para el artista era el mundo cotidiano. “Cada época debe tener artistas que lo expresen y reproduzcan para el futuro” (Courbet).

  • Compromiso Social: temas que se habían ignorado, pasa a ser un compromiso para el artista. “Al surgir el héroe trabajador”, el arte había de prestarle la atención que antes había estado reservada a los dioses y los poderosos.

  • Variedad: tocando temas intimistas o familiares, reuniones al aire libre, paisajes rurales y urbanos. Introduce sensaciones de vitalidad, instantaneidad y nuevos enfoques, aproximándose a la fotografía. Estos aspectos estarán tomados nuevamente por el Impresionismo.


Pintura: Descriptiva – Escenas de trabajo – Modelado del color – Claroscuro – Búsqueda de una función moralizante del arte.
Pintores mas destacados :

    • Jean Baptiste C. Corot (1796 – 1875)

    • Honore Daumier (1808 – 1879)

    • Jean – Francois Millet (1815 – 1875)

    • Argentinos: - Ernesto de la Cárcova

    • Eduardo Sivori




VANGUARDIAS EUROPEAS S. XX - Introducción



Año 1870



Características generales: - rechazo al academicismo (oposición – ruptura)

- transformación de la creación artística

- modificación del circuito – productor – objeto artístico- audiencia.

Causas sociales: - burguesía (poder político y económico)

- crecimiento de las grandes ciudades (se abandona el campo por la ciudad)

- mercado de arte

Tecnológicas: - aparición de la fotografía, el cine, la radio, el automóvil, el ferrocarril

Científicas: - nuevos materiales de construcción: el hierro y el hormigón armado

- pigmentos artificiales industrializados (pintura en pomo)

- teoría de la descomposición de la luz (Newton)

- teoría de la relatividad (espacio –tiempo Einstein)

- teoría de los sueños ( Freud)

MOVIMIENTOS PICTÓRICOS

IMPRESIONISMO


1870, Francia y luego toda Europa y América


Para los impresionistas la realidad había que mostrarla desde el exterior, por eso representaban lo que observaban de acuerdo a los cambios que la luz producía sobre los objetos, eligiendo los elementos plásticos por encima de una representación académica de la realidad, trataban a través de la imagen de producir una visión sensitiva de la realidad, dando énfasis en lo fugaz y lo huidizo.

De esta manera cuestionaban los problemas formales, relacionados con el lenguaje utilizado hasta el momento y las condiciones creativas del pintor.

Aparece una mayor autonomía del mismo basada en las causas sociopolíticas y económicas de la década.
Características Pictóricas: - búsqueda de la incidencia de la luz sobre los objetos

- pintura al “plain air” (aire libre)

- pincelada corta y superpuesta a manera de coma ( , )

- ausencia de claroscuro

- ausencia de contorno

- ausencia del negro y los tierras

- sombras elaboradas con complementarios para producir vibración lumínica
Temas: paisajes – temas cotidianos (salidas al aire libre y retratos)
Pintores mas Destacados:


    • Claude Monet (1840 – 1926)

    • Edouard Manet (1832 – 1883)

    • Edgard Degas (1834 – 1917)

    • Camille Pissarro (1830 – 1903)

    • Argentinos: - Martín Malharro (1865 – 1911)

    • Fernando Fader

    • Ramón Silva


POS-IMPRESIONISMO

PARIS 1880 – 1905
El impresionismo ha cambiado radicalmente las premisas, las condiciones y la finalidad del hecho artístico. “El arte por el arte” fue el slogan de finales de siglo.

El artista realiza en la captación de la sensación y no en la veracidad, “la condición plena de ser” (figura ideal del hombre moderno, libre de prejuicios y predispuesto a la experiencia).

A fines del siglo XIX, cuatro pintores son denominados “post impresionistas”: Paul Cezanne,Paul Gauguin, Vincent Van Gogh y Henry de Toulousse Lautrec. Basaron su obra en el uso experimentado del color de los impresionistas y reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente a la naturaleza, presentando una visión mas subjetiva del mundo, comenzando a representar lo que estaba detrás de la apariencia de las cosas.
Características generales:


  • Pintura subjetiva

  • Intensificación del color (Colores saturados)

  • Ausencia de claro-oscuro

  • Bi dimensión

  • Influencia de la estampa japonesa.

No va a la búsqueda de un modelo natural, sino de los elementos con los que se compone una imagen: leyes de la composición y color. Su interés de la forma geométrica en sus pinturas anticipa la aparición del cubismo.


Paul Gauguin (1848-1903)
Abandona Europa y se radica en Tahití para ver con sus propios ojos pueblos lejanos con sus ritos y su lenguaje. Simplifica el trabajo, cubre grandes superficies con colores planos y brillantes e independiza a los objetos de su color real produciendo una pintura plana y primitiva. Se lo considera el precursor del “Fauvismo”.
Vincent Van Gogh (1853 -1890)
Con profundas raíces religiosas, su pintura va a la búsqueda de un mundo lleno de espiritualidad, con una contemplación íntima de lo simple y lo humilde. Su pasión interna llega a deformar y violentar la realidad, produciendo una pintura vibrante de color y textura, convirtiendo la pincelada en un elemento expresivo de la superficie pictórica.

Dijo Van Gogh “Quiero pintar con el rojo y con el verde las terribles pasiones humanas”. Al interesarse más por lo que tiene transmitir se lo considera precursor del “expresionismo”.



Henry de Toulousse Lautrec

Representando la sociedad del submundo de París (Montmartre) su temática está basada en prostitutas, cabarets y escenas de carreras.

Su pintura y sus dibujos están fuertemente influenciados por las composiciones planas de los grabados japoneses y caracterizándose por un dibujo de contorno y colores planos.

Dentro de la pintura muestra un mayor apego a las formas tradicionales con un dibujo incisivo, ágil y sensible.

Se lo determina uno de los primeros realizadores de “afiche”, en donde populariza siluetas de bailarines y cantantes de la sala de baile “Moulin Rouge”, utilizando con expresión sintética y cromática tonos azules, rojos y amarillos.

FAUVISMO


El “Impresionismo” luchó 30 años para que se le reconociera su valor, el público se familiarizó con la propuesta pictórica de Monet y Renoir, y como todas las expresiones artísticas correspondientes a un período de transición, representaba una meta terminal, a la vez que un punto de partida.

Mientras tanto una reforma violenta, la del “post impresionismo” personificado por los primeros “héroes del color” Cezanne, Van Gogh y Gauguin, descartaron lo que ataba al pasado y retuvieron lo que apuntaba al porvenir.

Prosperidad material, bienestar, alegría, es la característica de fin de siglo, se transformaban todas las artes (música, letra, teatro), los post impresionistas, en pintura marcaron la aparición de un grupo de pintores que expusieron en el Salón de Otoño de 1905, Henry Matisse, George Rouault, Andre Derain. Con la crítica de la sociedad parisina, fueron denominados “fauve” (animales salvajes) por el crítico de arte Louis Vauxcelles.


Características Pictóricas:


  • El “color” se transforma en el fundamento y objeto de la composición

  • Colores puros y planos, ausencia de matices y modulaciones

  • Síntesis de forma



Henry Matisse (1869 -1954)
Dejó sus estudios de abogacía para dedicarse a la pintura. La misión del arte, era para Matisse, la de dar alegría, procurar la paz y la satisfacción interior del ser humano, que alivie la tensión y la depresión del hombre del S. XX.

Fue dibujante, grabador, ilustrador de libros, escenógrafo, muralista, su pintura está cargada de sintetismo, colores planos y arabesco lineal.


Raul Duffy (1877 - 1953)
Su pintura espontánea, cargada de expresión gráfico – pictórica, narra con gran frescura carreras de caballos, regatas, desfiles militares.
George Rouault y Maurice de Vlaminck: no todos los miembros del grupo “fauve” tuvieron un plano optimista de expresión, sino una expresión

más patética.


George Rouault (1871): místico cristiano, de espíritu sarcástico, mostró una tendencia mas decepcionante de la realidad, con escenas de prostitutas, personajes siniestros, payasos y temas religiosos, puede verse en su pintura una imagen cercana al “vitraux”.
Maurice de Vlaminck: con paisajes y figuras atormentadas, angustiosas, con tempestades del alma, puso los cimientos a un arte que pretendía inquietar al ser humano, mostrando el drama de la vida.


EXPRESIONISMO

En el norte de Europa, la celebración del color de los “fauvistas” llevó a la búsqueda de nuevas profundidades psicológicas y emocionales, creando una tendencia pictórica, el “expresionismo”, desarrollado simultáneamente en varios países a partir de 1905.



Características Pictóricas:


  • Colores intensos y simbólicos

  • Imágenes exageradas (simbolizando los aspectos mas oscuros y siniestros de la mente humana)

Estos pintores totalmente ligados a los dramas de la vida, tomaron el arte como un sacerdocio, angustiándose por los problemas de una sociedad de moral estrecha y que se creía eterna, cuando estaba desencadenándose uno de los mayores dramas (1° guerra mundial).


Se dividieron en dos grupos :

  • El Puente

  • El Jinete Azul



DIE BRÜCKE (El Puente): fue el primero de estos movimientos, surgió en Dresde (Alemania) 1905.

Influenciándose en Van Gogh, Gauguin, y el arte primitivo, desearon que el arte se convirtiera en un puente hacia el futuro.

Utilizaron imágenes de la ciudad moderna para representar un mundo hostil y alienante, con colores saturados y figuras distorsionadas, exhibiendo obras cargadas de agresión y crueldad.

En 1914 estalla la primera guerra mundial, fueron cinco años de fuego incesante en Europa y llevó a la muerte a 10 millones de personas.

Muchos de estos artistas estuvieron en el frente de batalla como Max Beckmann, donde a través de su obra dibujada en el campo de batalla, vemos reflejada la angustia a través de imágenes crueles y brutales.

Entre los integrantes de “El Puente” encontramos a Ernst Kirchner (1819 – 1930), Heckel (1883 – 1970) y Rottluff (1884 – 1976).



DER BLAUE REITER (EL Jinete Azul) 1911: un nuevo grupo de artistas alemanes comenzaron a exponer sus obras: Franz Marc – Wassily Kandinsky, Paul Klee y George Braque.

Estos abren el camino hacia la abstracción, ensalzaban el arte de los niños y los primitivos. Basándose en la importancia de la esencia de un objeto, realizaron una pintura con bloques de colores luminosos.



Expresionismo en el cine:
La manifestación del expresionismo se puede encontrar en la poesía, la música, la arquitectura, la pintura, el teatro y el cine.

El expresionismo en el cine se manifiesta durante la crisis social, política y económica, que soportan los alemanes posteriores a la 1° guerra mundial.

Sus mas claros ejemplos son “El Gabinete del Dr. Caligari” (Robert Wiene), “La pantalla demoníaca” (Lotte Eisner) y “De Caligari a Hitler” (Sigfried Kraucaner), que propone un itinerario que va desde la locura de Caligari a la de Hitler.

Para el expresionismo fue básico capturar lo esencial de la realidad, expresar la sustancia interna de las cosas y los seres, y hacerla surgir con fuerza.

La escenografía evoca estados de ánimo, exteriorizados para el espectador; el tiempo y el espacio se transforman en función de la expresión.

En la superficie se advierte desorden en lugar de armonía clásica, el desajuste y la deformación, se convierten en la cualidad externa de los objetos.

Los temas frecuentes tienen relación con la muerte, la enfermedad, el error, el pecado y la fantasía (debido que tiene como antecedente el prerromanticismo y el romanticismo), teñidos de irracionalidad.

Se oponen desde el punto de vista estético del impresionismo (debido a que el hombre se independiza de la naturaleza y del realismo) y queda al servicio de sus impulsos y en libertad, desprendidas de la sociedad burguesa.




Películas más representativas:


    • 1919 El gabinete del DR. Caligari de Robert Wiene

1920 Genuine de Weine

El Golem de Paul Wegener y Henrik Galeen

De la mañana a la noche de Karl Heinz Martin





    • 1921 Escalera de servicio de Leopold Jessner y Paul Leni

Las tres luces (o la muerte cansada) de Fritz Lang

El rail de Lupu Pick





    • 1922 El Doctor Mabuse de Fritz Lang

Nosferatu, el Vampiro de Friederich Wilhelm Murnau

Vanina o Las Bodas de Oro de Arthur Von Herlach





    • 1923 Raskolnikof de Robert Wiene

La calle de Karl Grune

El tesoro de Georg W. Pabst

Sombras de Arthur Robison




    • 1924 La última carcajada o El último hombre de Friederich Wilhelm

Murnau

Los Nibelungos de Fritz Lang

El Gabinete de las Figuras de Cera de Paul Leni

La Crónica de Griesshus de Arthur Von Herlach





    • 1925 Bajo la máscara del placer de Georg W. Pabst

Varieté de Ewald André Dupont



    • 1926 Metrópolis de Fritz Lang

El estudiante de Praga de Henrik Galeen

Fausto de Friederich Wilhelm Murnau



El Gabinete del Dr Caligari (Berlín 1920)
Dirección Robert Wiene (1881 – 1938)

Guión: Carl Mayer y Hans Yanowitz

Decorados: Herman Warm – Walter Reimann y Walter Rohrig

Actores: Lil Dagover


En esta torturada Alemania debido a la situación de inestabilidad económica que se encontraba, esta película fue filmada con escasos recursos.

Mostrando una atmósfera de pesadilla y horror, resultó ser un film característico del expresionismo alemán.

En su escenografía , realizada por pintores cubista con imágenes distorsionadas, grandes efectos de claroscuros, los personajes son concordantes con la concepción expresionista: el sonámbulo Césare apartado de su ambiente cotidiano y privado de individualidad, que mata sin motivo ni lógica y su amo, el misterioso Caligari que no tiene ni sombra de escrúpulo humano, con una loca insensibilidad. Todas caricaturas humanas sobrecargadas de maquillaje, resulta ser un desafío a la moral corriente que los expresionistas exaltan.

FUTURISMO

Italia 1909

Movimiento artístico literario, de origen italiano, los jóvenes integrantes menores de 30 años se encontraron sorprendidos ante el mundo moderno, con la aparición del automóvil, la maquinaria, la velocidad, el ruido de las grandes ciudades realizaron tanto en literatura, como en pintura, textos e imágenes cargadas de movimientos precipitados, colores vibrantes, imágenes secuenciadas.

De ideas bélicas, algunos integrantes de este grupo de pintores se alistaron en las filas del ejército para combatir durante la primera guerra mundial, donde algunos perdieron la vida.

Características Pictóricas:


  • Temas relacionados con las grandes ciudades y el movimiento

  • Pinceladas rápidas

  • Utilización de complementarios

  • Fragmentación secuenciada de la imagen (estroboscopia)

  • Geometrización dinámica de la forma

  • Uso de la superposición para denotar movimiento y velocidad



Manifiesto Futurista ( Marinetti 1909)
“Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la velocidad. Un automóvil de carrera... es más hermoso que la Victoria de Samotracia.” “No hay obra maestra sin carácter agresivo”... “queremos demoler los museos, las bibliotecas, combatir al moralismo, al feminismo y todas las cobardías oportunistas y utilitarias”... “Cantaremos las grandes muchedumbres agitadas por el trabajo... las estaciones ferroviarias, glotonas tragadoras de serpientes humeantes, las locomotoras y el vuelo de los aeroplanos.”

“El gesto que queremos reproducir ya no será un instante fijo de dinamismo universal: será, sencillamente, la sensación de dinámica misma.”



Pintores más destacados - Giacomo Balla

- Umberto Boccioni

- Carlo Carra

- Gino Severini



SURREALISMO

André Bretón (poeta Francés 1896 – 1966) publica un manifiesto surrealista (1924) relacionado con la “estructura automática” y el “sueño hipnótico”.

Esto deriva en un tipo de pintura relacionada con dos imágenes: la del automatismo absoluto y la de la imagen onírica (sueños), Bretón en su segundo manifiesto (1929) insiste en “la recuperación total de nuestra fuerza psíquica por medio de la iluminación sistémica de los lugares ocultos, y el paseo constante por las zonas prohibidas”, esta definición podemos entenderla como basamento en la teoría psicológica de Sigmund Freud basada en “los sueños” a través del inconsciente.
Características Pictóricas:


  • Voluntad de transponer en términos plásticos la actividad inconsciente

  • Se aproxima a la metafísica, la magia, el universo cósmico, lo fantástico

  • Sus fuentes son las manifestaciones de la libido, las afectividades del sueño, el éxtasis

  • El inconsciente, la casualidad y la causalidad en las cosas, son el punto de partida de los artistas

  • “Disuelve las condiciones contradictorias entre sueño y realidad absoluta, en una subrealidad” André Bretón.

Pintores más destacados - Jean Arp

- Max Ernst

- Paul Klee

- Salvador Dalí

- Reneé Magritte
Salvador Dalí: imágenes ilusionistas que registran impulsos de agresividad y castración. Estructuras sistémicas, en ricas interpretaciones, con contenido de persecución, celos, grandezas, ideas místicas, eróticas, hipocondríacas, que pueden resultar varias a la vez en una sola obra. Técnica academicista.
Renée Magritte: (pintor belga) 1898 – 1967, el estilo surrealista fue el predominante en su carrera . Trabajó dentro de imágenes del realismo mágico con objetos ordinarios dentro de un contexto inusual, con técnica meticulosa.

Además de elementos fantásticos, usa un ingenio sarcástico, utilizando un sistema de íconos donde los mismos objetos aparecen repetidos en

sus obras y alternando muchas veces su escala.
Max Ernst: (1891 – 1976) Alemania. Los sueños y los recuerdos de la infancia fueron su fuente de inspiración. En sus cuadros el hombre se funde con una naturaleza de formas caprichosas y objetos de absurda condición. Inventa tres nuevas técnicas pictóricas, el gratagge, el frotagge y la calcografía, utilizando como imagen el automatismo gráfico y la representación onírica.

Su obra somete al espectador a un eterno juego de adivinanzas.



DADAÍSMO


El movimiento dadaísta nació en el café Voltaire en Zurich – Suiza en 1916. Debido a que Zurich era una ciudad neutral en plena guerra mundial, fue un refugio de personas como desertores, emigrados políticos, artistas, etc., que reunidos en el café Voltaire hallan no solamente una escuela literaria o artística sino una “forma de vida”.

El grupo originario estaba formado por el director teatral dramaturgo Hugo Ball y su esposa, (dueños del cabaret) el poeta Tristan Tzara (1896 – 1963) (creador del primer manifiesto dadaísta, y el pintor Hans Arp (1887 – 1966).

La guerra había puesto en crisis todos los valores de la cultura entre ellos el arte, poniendo como objetivo destruir el mito tanto de la obra de arte como de los valores del ser humano como único modo de reacción ante el caos y la destrucción que había generado el conflicto mundial.

Sus representaciones eran desordenadas y escandalosas, provocaban al espectador con absurdos actos teatrales, y musicales y violentas manifestaciones públicas. Asimismo, negaban todas las experiencias formales y técnicas específicamente artísticas.

Este movimiento artístico posteriormente aparece en Alemania donde las obras de George Grosz (1893 – 1959) y de Otto Dix (1891 – 1969) representaron los desastres morales y materiales provocados por la guerra, emplean la caricatura como medio de expresión. Otro artísta alemán que marcó diferencias fue Marx Ernst (1891 – 1976) quien comenzó a trabajar con collage y otras técnicas basadas en el azar como el frottage.

En E.E.U.U., Marcel Duchamp y Man Ray (fotógrafo) utilizaron los ready made (creados por Duchamp) definidos como “objetos usuales ascendidos a la dignidad de objeto artístico por simple decisión del artista”.

Eligiendo un saca- corchos, una rueda de bicicleta, una plancha, o un seca botellas, sacándolos de contexto y convirtiéndolo como hecho artístico, algunas veces existiendo una mínima intervención del artista.


Características Pictóricas:

- Destrucción del mito de la obra de arte

- Juzga los valores culturales de manera agresiva e irreverente

- Considera necesaria la destrucción para construir un nuevo orden

- Utiliza el azar para la elaboración de sus obras

- Amalgama el teatro, la música, la pintura, la escenografía

- Uso del absurdo

- Collages, fotomontajes y ensamblajes


Pintores más destacados

- Jean Arp

- Max Ernst

- Francis Picabia

- Marcel Duchamp

- Man Ray

- Otto Dix


Manifiesto Dadaísta (Fragmento Parcializado)
“Dada no significa nada” “Preparamos el gran espectáculo del desastre, el incendio, la descomposición”. “Que todo hombre grite: hay que cumplir un gran trabajo destructor, negativo. Barrer, limpiar. La limpieza del individuo se impone tras el estado de demencia, de demencia agresiva, completa, de un mundo abandonado en manos de los bandidos que se destrozan y destruyen los siglos. Sin finalidad ni propósito, sin organización, la insensatez indomable, la descomposición”. “Ya que todo lo que se ve es falso” (los dadaístas intentan abolirlo todo)” “DADÁ, abolición de la lógica”. “Dada abolición de la arqueología” DADÁ “abolición de la memoria” DADÁ “abolición de los profetas” DADÁ “abolición del futuro” DADÁ – DADÁ – DADÁ: “aullido de los colores crispados, entrelazamiento de los contrarios y de todas las contradicciones, de las extravagancias, y de las inconsecuencias: LA VIDA”.

CUBISMO


La palabra cubismo fue utilizada por el crítico de arte Louis Vauxcelles (1908) para calificar los cuadros de dos jóvenes pintores Pablo Picasso (1881 – 1973) y George Braque que comenzaron a realizar las primeras investigaciones cubistas, compartiendo los mismos temas (instrumentos musicales, retratos, jarras, frutas) tratando no de reproducirlas de manera formal, sino tratando de llegar a la reflexión y al “análisis de la forma”.

“El mundo visible solo se convierte en real mediante la operación del pensamiento” Gleizer y Metzinger “tratado teórico del cubismo” (1912). Creando una nueva realidad, no como se “ve” sino como se “piensa”.
Características Generales:


  • Geometrización de las formas

  • Utilización planimétrica de los colores

  • Representación espacial a través de distintos puntos de vista (visión simultánea)

  • Autonomía del cuadro (dejando de lado la imitación de la realidad y convirtiendo al cuadro en la realidad misma), rigiéndose por sus propias leyes.

  • Utilización del collage y el ensamblaje


Fases del Cubismo:

Cubismo analítico (1910 – 1911)
En este período los cuadros se organizan como complejos entramados de líneas sobre las cuales se descompone la figura hasta llegar a confundirse con el fondo. Representando a la figura desde distintos puntos de vista.

En estos cuadros prevalece el uso de la línea recta y de los colores tierras, grises y azules.

En la base a la compleja apariencia de estos cuadros el artista recurría a veces a detalles realistas (ojos, cuerdas de guitarras) para que mediante un título se pudiera asociar los elementos para su reconstrucción.

Se incorporan elementos gráficos como letras y números.



Cubismo Sintético: (1912-1914)
Se abandona la complejidad anterior, tratando de representar las formas por medio de los planos esenciales de sus lados, logrando una síntesis del objeto representado.

De esta manera los planos se agrandan, se recupera el color y la textura.

Se define con mayor claridad la forma y hay un mayor acercamiento a la realidad mediante la inclusión directa en el cuadro de materiales y objetos cotidianos (collage – trozos de periódico – papel de pared, empapelado – etiquetas – maderas, etc.).

La Bauhaus

Los años que mediaron entre las dos guerras europeas transcurrieron en un clima de crisis y de desconcierto que acabaron despertando un deseo de estabilidad. En el plano cultural, este periodo coincidió con la recuperación de las tradiciones nacionales.

Así movimientos como el purismo y el grupo de la Bauhaus, se desarrollaron dentro de una tendencia neoclásica, basado en el orden y la funcionalidad en los elementos de uso.
La Bauhaus era el nombre de la escuela de diseño, arquitectura e industria fundada por Walter Gropius en 1919 en Weimar (Alemania), en la que trabajaron artistas de vanguardia que unieron la artesanía con las nuevas tecnologías e industria.

La primera etapa de la Bauhaus se desarrolla entre 1919 a1924-5 con Gropius como director basada en el expresionismo y el análisis de las formas puras. La segunda etapa bajo la dirección de Gropius y Meyer entre 1925 y 1930 es una etapa racionalista basada en la unidad del arte y la técnica y el ultimo periodo 1930-1933 dirigida por Van der Rohe , se plantea la disyuntiva entre racionalismo y las nuevas corrientes irracionales, en este periodo la escuela pasa a Berlín, y es cerrada por los nazis.


En la Bauhaus la enseñanza se daba en los talleres de- escultura, pintura, tapicerías, ebanistería, teatro, vitrales ,fotografía, alfarería, tipografías, publicidad, arquitectura, grabado- donde se desarrollaba la experimentación para la producción industrial en serie, vendiéndose a los fabricantes los modelos patentados.
Pintura:

La serie de pintores comienza con Lyonel Feininger (1871-1956) con el cubismo y la xilografía. Johannes Itten (1888-19679) que desarrollo la teoría de los materiales y la textura teniendo en cuenta la forma y el color. Durante el periodo de Weimar se unieron a la escuela: Paúl Klee, Oskar Schlemmer y Vasily Kandinsky.


Paúl Klee(1879-1940) concibe la producción plástica a la manera de un despliegue de energía a partir de un punto, de un sistema de avance, retroceso y expansión que intenta dar visibilidad a la forma.

Concibe con Kandinsky en que el mundo visual solo tiene interés como exteriorización de algo interno.

Los elementos esenciales en su composición son el punto, la línea y el plano.
Vassily Kandinsky: profesor de dibujo analítico en la Bauhaus, realizando su práctica desde el objeto realista hasta la abstracción., el color se convierte en su tema de estudio, estableciendo asociaciones entre el color y la forma.
Josef Albers (1888-1976): se aferra a la abstracción geométrica y es uno de los iniciadores del arte cinético.
Oskar Schlemmer (1888-1943): junto a Gropius se interesan por el teatro, aporta la innovación en la danza y el ballet.
A mediados del los años20, la escuela le da cabida a todas las tendencias de la época, contando en sus aulas a artistas como Mondrian, Schwitters, Arp, Tzara, Marinetti y otros.
Arquitectura
Uno de los principales objetivos de la Bauhaus (“Casa de la construcción”) fue la renovación de la arquitectura, el diseño y el mobiliario. Actualmente muchas de sus producciones conservan la modernidad con las que fueron creadas (las lámparas de Brandt, los muebles de Marcel Breuer). Los tres directores fueron arquitectos: Gropius, Meyer, Mies, pero las clases de arquitectura no fueron impartidas hasta 1927.

Durante los años que sigue a la 1era. Guerra mundial se asiste en el ámbito de la arquitectura a la utilización de los nuevos materiales: vidrio, hierro, acero, hormigón.

La línea recta fue utilizada por los arquitectos racionalistas, y las líneas curvas por los arquitectos expresionistas.

Walter Gropius: 1983-1969

La obra mas importante de Gropius fue la construcción del edificio de la Bauhaus en Dessau, la planta esta dispuesta a manera de L, la articulación de los cuerpos del edificio, los volúmenes y los ejes creados, son relacionados con las composiciones plásticas de Kandinsky y Klee.

En el aparecen todos los elementos relacionados con la arquitectura moderna: predominio de recta, supresión de decoración, amplias superficies vidriadas que recorren el parámetro, cierres y aberturas de espacios interiores.

A partir de su renuncia como director inicia el estudio sobre la vivienda minima.


Hannes Meyer:

La etapa en que la Bauhaus lo cuenta como director se caracterizada por una especial atención a la arquitectura temática, funcionalista y social, y el mayor aumento de la vocación productivista. La dialéctica entre industria y artesanía y arquitectura social y autonomía arquitectónica fue el principal tema de discusión en la escuela. La posición de Meyer que entendía que la arquitectura social en el seno del capitalismo era una empresa fallida, provoco la destitución de Meyer que se radica en Rusia y a los que le siguen con la llegada de Hitler otros arquitectos.


Mies Van der Rohe

Maestro del Movimiento Moderno, sus obras estuvieron marcadas por el expresionismo arquitectónico. Se aprecia también la cubierta plana, la fusión y continuidad horizontal de los espacios y la atención en la cualidad plástica de los materiales.

Con la llegada de Hitler al poder, la escuela fue tildada de DEGENERADA, por no atenerse a los cañones clásicos, fue clausurada y sus profesores perseguidos, Mies emigro junto a otros artistas a EEUU

Vanguardias rusas
Durante la 1era. Guerra Mundial y la Revolución de octubre de 1917, en Rusia hubo un florecimiento del arte convirtiéndose en uno de los países lideres de las vanguardias europeas.

Al mismo tiempo caía el régimen zarista y se precipitaba la Guerra Civil, dando inicio a lo que se convertiría: la Revolución en la Unión Soviética.


El arte ruso ejerció una influencia internacional en el diseño grafico y la tipografía del SXX.
A partir de 1910 la influencia de los cubistas y futuristas determino la aparición de una nueva imagen denominada cubofuturismo, tomando de ellos la nueva idea del espacio pictórico, la fragmentación del objeto, el énfasis en las formas geométricas, los temas urbanos e industriales y el dinamismo del tiempo y el espacio, pintores como Popova, Rozanoba,Udaltsova, y Malevich le dan imagen al movimiento.

Posteriormente Malevich crea una abstracción geométrica elemental pura, no objetiva, buscando “ la expresión suprema del sentimiento, sin valores prácticos, ni idea” experimentando que la esencia de la experiencia pictórica es el efecto del color, debido a ello en el año1913 expuso un cuadrado negro sobre un fondo blanco, y denominó a esta forma de construir: Suprematismo. En 1915 pinta la obra Cuadrado negro, que se considera un simbolo del arte contemporáneo.


Los rusos se convirtieron en los creadores del arte abstracto.
En 1913 Alexandr Shevchenko reconocería que el arte ruso primitivo es una fuente inagotable, junto a Natalia Goncharova y otros pintores comenzaron a estudiar los iconos rusos, los frescos antiguos y grabados populares (Lubok), encontrando en el arte primitivo una percepción de la vida mas penetrante, mas directa y una peculiar manera de tratar el espacio. En mayo de 1914, Vladimir Tatlin expone sus primeros relieves tridimensionales y luego evoluciona hacia un cubismo abstracto.
Los vanguardistas también aproximaron su arte al arte popular, utilizando en sus obras objetos artesanales y de uso popular cotidiano.
El movimiento fue acelerado por la Revolución, se le concedió al arte un rol social. En el año 1917 pusieron su energías en la propaganda masiva para poder apoyar a los bolcheviques. Las palabras de Lenin en 1905 ( 1ra Revolución Rusa) comenzaron a hacerse realidad, decía “que el arte en el socialismo, no serviría solamente para una elite, sino para millones de trabajadores que son el tesoro del país, su fuerza y su futuro”. De la misma manera soñaba con construir una ciudad ideal, con ese objetivo propuso su Plan de Propaganda Monumental: La Plaza Roja, el Palacio de Invierno, Los campos de Marte, el Kremlin de Moscú, fueron sitios arquitectónicos donde transcurrieron hechos revolucionarios y quedaron marcados con una simbología especial relacionada con Iera Revolución. Basta observar algunos de los episodios de la película Octubre de Eisenstein para apreciar como estos acontecimientos históricos eran acompañados por ambientaciones grandilocuentes.

En la frase Propaganda Monumental podemos ver reflejado el rol social del artista. Esta nueva concepción tenia además, la aspiración de unir las artes, con otras formas de arte propagandístico y popular a fin de ayudar a transmitir la educación.

En los años que siguieron a la revolución comenzaron a surgir formas de arte masivo: afiche político, grafica de diarios y revistas, teatro heroico, dramatizaciones en masa, procesiones populares, murales y decoraciones en la calle. La intención era de comunicar el sentido de los acontecimientos históricos y sociológicos que le ocurrían a los trabajadores.

Guiados por Tatlin y Rodchenko (discípulo de Tatlin), en 1921 , 25 artistas renunciaron al arte por el arte, para consagrarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.

El modelo del Monumento a la “ III Internacional”: La Torre de Tatlin presentado al publicó en 1920, significo el nacimiento de un arte nuevo llamado Constructivismo.

La grandiosa torre de 400 metros nunca se construyó , en su edificio se albergarían los organismos legislativos, ejecutivos e informativos de la Internacional Comunista.

Debería ser de metal, con su construcción paralela al eje de rotación de la tierra, dentro del cual estarían ubicados cuatro volúmenes de edificios de vidrio, una pirámide, un cilindro y una semiesfera. Los volúmenes interiores girarían en torno a su eje, correspondiendo al movimiento de rotación de la tierra, el cubo debería realizar un giro completo diario, la pirámide girar sobre su eje en el curso de un mes, la semiesfera en el curso de una hora , y la altura de la torre correspondería a una cienmilésima parte de un meridiano terrestre.

La envergadura del proyecto se podría comparar con la torre de Babilonia con la diferencia que esta anidaría a las personas, que era la idea con la que fue construida por Tatlin “ la hermandad universal de la gente y la unidad utópica del Estado del futuro.

Aunque el constructivismo siguió su influencia en los gráficos soviéticos y en el diseño industrial, pintores como Malevich, que no abandonaron el país, fueron arrastrados a la pobreza, algunos artistas desaparecieron en el GULAG.

MURALISTAS MEXICANOS
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Arte Conceptual
El arte conceptual realza la importancia de la idea sobre la materialización de la obra de arte, esto crea un replanteamiento del sistema expresivo del arte.

El interés de la desmaterialización del arte que propone este movimiento plantea un proceso reflexivo previo a la realización de la obra que resultaría más importante que la obra en si.

Las ideas expresadas a través del arte conceptual han sido tomadas de la filosofía, el feminismo, el psicoanálisis, uy la actividad política entre otros.

El artista utiliza medios como la fotografía, el video, conversaciones telefónicas, grabaciones, documentos escritos, etc.

Uno de los máximos representantes es Joseph Kosuth que aplica una filosofía de conexión entre el lenguaje y la percepción visual.

Dentro de este tipo de experiencias se destaca: UNO; DOS; TRES SILLAS (1985) donde ofrece tres aspectos distintos de la silla: la silla real, una fotografía y la definición de silla extraída de un diccionario.



LAND ART:
Surge a partir de las reflexiones planteadas por los ecologistas en relación a los daños que causa el hombre en el entorno natural.

Con este tipo de acciones se pretende que la sociedad tome conciencia que el deterioro ambiental es un hecho y puede desencadenar nefastas alteraciones en la tierra y por consiguiente para el propio ser humano.

Uno de los artistas pioneros de este movimiento es Christo que le realiza empaquetamientos en tela a distintos monumentos y a zonas al aire libre como costas, valles, islas, etc.

En su obra” LAS SOMBRILLAS_JAPON_EEUU (1984-1991 planta sobre dos valles de Japón y Estados Unidos simultáneamente sombrillas, queriendo reflejar la similitud y las diferencias de las dos formas de vida y del uso de la tierra en los dos países, postulando lo efímero de la obra.

Se destacan también artistas como Robert Smithson, Richard Long y Walther de María.
Estos comportamientos resultaron novedosos pero producen un desfasaje entre el instante de la obra y el espectador debido a que el publico adquiere conocimiento con posterioridad a traveseé de fotografías, videos o reportajes.

Arte povera:
Surge en Italia en 1967, esta denominación fue dada por el critico Celand durante una de las exposiciones realizadas en Turín, y sirve para aludir a toda una serie de manifestaciones que se caracterizan por el empleo de materiales pobres.

Entre los artistas mas destacados se encuentran Giovanni Anselmo, Luciano Fabro, Mario y Marisa Merz, Giulio Paolini.

En la obra de Mario Merz vemos como se integra la pintura con telas, luz de neón, ramas sacos de arena y otros materiales

Otros artistas: Jarnnis Kounellis, que nace en Grecia pero se radica en Roma.

En su obra emplea materiales insólitos, como carbón, algodón, sacos de cereal, café, fuego, y pan de oro, elementó que considera generador de energía y produce efecto de irradiación lumínica.

Luciano Fabro, realiza obras con vidrio en la que se destaca la transparencia y el reflejo del material, como así también acero, bronce, hierro, aluminio, telas, piel de animales.

Michelangelo , efectua acciones donde incluye al ser humano rodeado de trapos y prendas de vestir, realiza también obras con pocos recursos como espejos en los que crea efectos ilusorios espaciales.
Arte de Acción
Happening:
Los inicios de este movimiento lo podemos hallar en la actividad pictórica de Jackson Pollock como creador del Action Painting, pero las actividades denominadas Happening pueden tener sus raíces en los dadaístas del Café Voltaire y en la veladas futuristas, que consistía en la intervención del publico en un tipo de espectáculo, y su participación configuraba en el sentido del acto.

En los Happening no solamente participaban artistas plásticos, sino también músicos, y en muchos casos se planteaba que se pudieran realizar en varios países simultáneamente.



Características del Happening:


  • No es una representación, sino una vivencia.

  • Resalta la relación dialéctica entre el arte y la vida.

  • No tiene comienzo ni fin estructurado, su forma es abierta y fluida.

  • No persigue nada en concreto, sino situaciones o acontecimientos en un solo momento, es arte efímero.

  • Se intenta descontextualizar no el objeto sino el hecho.

  • Puede llevar a aspectos rituales

  • Es importante que cuente con un numero importante de personas, de allí que no tiene que utilizarse lo agresivo, ni lo provocador) para que pueda tener un principio y desarrollo.



Tipología de los Happening


  • Happenig puros: se desarrolla en espacios abiertos: estaciones, parques,:Transcurre según un esquema y los participantes tienen completa libertad para hacer lo que deseen -Wolf Vostell Alemania 1932.

  • Happening sobre un escenario: los organizadores estan separados del espectador- participante que se limita a observar Grupo Gutai Japon 1954.

  • Happening sobre el escenario no existe comunicación a traves del lenguaje ni se establece una comunicación directa.

  • Envaironments cinéticos ( ambientes). Se incluía una escultura o ensamblaje y el artista o el espectador tenia que integrarse siendo parte del objeto artístico, siendo determinada la participación del espectador.

Grupo Gutai (Japón) los artistas plásticos que integraron este grupo. Tanaka, Yoshihara , Motonaga entre otros, crearon un ambiente propio basado intervenciones al aire libre y con el agregado de expresión corporal done también configuraban ruidos, luces, chorros de agua cortinas de humo, etc.

La 2da guerra mundial y las bombas de Hiroshima y Nagasaki, afectaron sin duda las obras de los mismos, no convirtiéndose el Happening en una acción lúdica, sino relacionado con la vida, la muerte, y una critica al tecnicismo.


Happening en EE.UU.
Tiene sus inicios con el musico John Cage a comienzo de los años 50 donde junto al coreógrafo Cunningham realizaban espectáculos en que solicitaban la intervención del publico como configuración del espectáculo.

Allan Kaprow realizaba ambientes junto a Oldemburg y Dine, donde el participante potenciaba sus capacidades sensoriales a través del tacto, el oído el olfato y la visión.


Happening en Alemania
Posterior a la 2da. Guerra Mundial Alemania queda sumida en el caos profundo, con un periodo vacío en la década del 50.

Pero la moda de los Happening quizá por los antecedentes de los dadaístas y la Bauhaus en ese país, arraigo notablemente.

Aparece el Grupo Fluxus, impulsado por el norteamericano George Maciunas, El concepto de Fluxus deriva de la palabra fluir, por lo tanto en sus presentaciones dejaban fluir las acciones durante un tiempo determinado.

Entre los realizadores más importantes se encontraban: Joseph Beuys, John Cage, Yoko Ono, entre otros.


Joseph Beuys (1921-1986)
Sus acciones están ligadas en su mayor parte a la idea de ritual. De joven piloteando un avión alemán fue derribado por las tropas rusas, cayendo en la zona de Crimea, siendo recogido y asistido por un grupo de nómades tártaros que loa atendieron en sus curaciones embadurnándolo con grasa animal y cubierto con fieltro.Recordando este suceso decide integrar estos dos materiales en su obra.

Basándose en el escrito sobre las abejas de Rudolf Steiner (creador de la Antroposofía), agrega miel a su obra, considerando que este elemento necesita la aplicación de una energía- (simbólicamente Beuys utiliza este elemento para poder obtener de ellos la energía necesaria).

Junto al Grupo Flexus (1962-1964) realiza acciones contra el mercantilismo artístico y realiza críticas al entorno social.

Entre sus obras más conocidas se encuentra “Como explicar los cuadros a una liebre muerta” y “Coyote”, utilizando animales en sus presentaciones simbolizando a través de ellos las agresiones a la naturaleza a través de una sociedad tecnificada.




Body Art:
Forma de representación artística donde el cuerpo humano es elemento principal de la obra. Surge en los años70 guardando relación con los Happening.

La idea era experimentar y crear con lo más cercano, que era el propio cuerpo.

Someter al cuerpo a practicas” contra natura” en otras culturas no resulta chocante sino tiene tradición: alargar el cuello, deformar labios y orejas, empequeñecer los pies, son puras exigencias sociales.

El hombre se convierte se convierte en este movimiento en el artista que actúa sobre su propia anatomía, a través de cirugías, mutilaciones, y procedimientos rituales de autosacrificio. En este siglo, la cirugía estética se convierte en un sacrificio humano por aceptación social, dentro del body art, estas automutilaciones consignan el cuerpo dentro de la perspectiva de moldear, manipular y jugar con el cuerpo.

La artista francesa Orlan se somete a sucesivas operaciones de cirugía estética para parecerse a modelos clásicos del mundo del arte como la Gioconda o la Venus de Botticelli, desde 1990 a 1998 , se sometió a nueve operaciones. Sus intervenciones son todo un espectáculo, tanto las enfermeras como los doctores van vestidos de alta costura, el quirófano es acondicionado y sus operaciones son retransmitidas en directo o filmadas y vendidas a museos importantes y cadenas de televisión. Posteriormente se hace retratar en los distintos momentos de su pos-operatorio y luego expone sus imágenes.
En su manifiesto carnal describe el objeto de su trabajo:

“No deseo el dolor, ni lo investigo como fuente de purificación, tampoco lo concibo como Redención. El arte carnal no se interesa por el resultado plástico final, sino por la operación quirúrgica- performance y por el cuerpo modificado, convertido en lugar de debate publico.”


“Ahora puedo ver mi cuerpo abierto sin sufrir, Puedo ver hasta lo mas profundo de mis entrañas(…) Puedo ver el corazón de mi amante y su esplendido diseño que dista mucho de las cursilerías simbólicas”.
De hecho, ella ni siquiera quiere que la encuadren en el movimiento del Body Art, aunque sus lemas son “ he donado mi cuerpo al arte” “ el cuerpo no es mas que un disfraz” Hasta cuando seguirá? “Parare mi obra cuando sea lo mas parecida posible al retrato robot eléctrico que he creado”.
Daniel Nebreda:

Artista enfermo de esquizofrenia, vive aislado en un piso de Madrid. Es vegetariano, practica el ayuno y la abstinencia sexual, sometiéndose a extenuantes ejercicios físicos, se autolesiona, y posteriormente tras someterse a esas practicas se fotografía mostrando la vulnerabilidad y la mortalidad de su cuerpo.



Otros apuntan al agregado en su cuerpo de nuevas tecnologías : el brasilero Eduardo Kac se hizo implantar en su tobillo un microchip con un numero de nueve caracteres y a través de la red se inscribió a un banco de datos norteamericano, dicha experiencia fue transmitida por un canal de televisión de San Pablo.
El australiano Stelarc conocido como “ el hombre- maquina” hizo insertar en su estómago una escultura de acrílico, la obra no puede ser visualizada sino con una endoscopia, en otra experiencia se transformó en una web humana, tras conectarse a través de censores, estando en Luxemburgo recibía desde París estímulos que producían gestos involuntarios.


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