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1er trimestre “MÓdulo conocimiento y sociedad” tronco interdivisional grupo


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Casa abierta al tiempo

Otro género que se desarrollo de forma muy apreciada fue la pastoral. Aquí se hacen más espectaculares e imaginativas, introduciendo magos, sátiros, etc con una intriga llega de peripecias.

Además de Italia se importó la comedia del arte, desarrollándose de una manera propia y cambiando los vestuarios para darle una gran fastuosidad. En la comedia del arte los personajes siempre estereotipos, luchaban por conseguir el amor, mientras se desarrollaban otras subtramas entre los criados. Arlequín, Pierrot , Polichenela, se convierten en emblemas del teatro francés. La mímica y el baile así como las canciones formaban parte del repertorio que exigía una gran preparación.

Otro género fue la comedia-ballet.



Teatro Español

Durante el siglo XVI, dos emperadores van a gobernar Carlos I y Felipe II que con un gran poder militar conseguirían que las posesiones españolas llegaran hasta los más alejados rincones. Esto supuso la necesidad de establecer una política exterior, que resulto en muchos casos muy equivocada y que hizo que la nobleza y el clero ganaran poder beneficiados por dicha política.

Durante el siglo XVII gobiernan en España, los llamados Austrias menores, Felipe III, Felipe IV y Carlos II, comienza la decadencia española, pero se simula un concepto de Estado más moderno y organizado que el de sus predecesores. De esta contradicción van a hablar muchas de las obras de esta época.
El campesino que ocupa el mayor porcentaje de lo que se conocía por pueblo, había establecido un pacto más con la monarquía que con la nobleza, en el reconocimiento de las tierras. De ahí, que la sumisión a los reyes sea muy característica. La iglesia sigue, además, manteniendo y acrecentado su estatus.

El desarrollo del teatro español parte de esquemas medievales hasta la consecución de la comedia modernista, desarrollándose de una manera más lenta que en el teatro inglés o francés. En la dramaturgia aparecerán reyes justicieros, nobles malditos, campesinos humildes pero orgullosos, santos, y sobre todo hidalgos con problemas amorosos que era justamente lo que deseaba ver el público.

La Celestina y
la influencia italiana

La Celestina fue escrita hacia finales del siglo XV por Fernando de Rojas. Aunque la Celestina no puede considerarse lógicamente como un género


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queda aquí incluida como una fuente de influjo muy poderosa en todos los autores de la época. La Celestina llamada Tragicomedia de Calisto y Melibea, no es, sin embargo, una obra dramática en toda su extensión ya que resultaba debido a su duración del todo imposible su representación, en la Celestina se desarrolla un nuevo erotismo hasta entone desconocido en las obras del medievo, un desenfreno sexual junto con notas de antirreligiosidad. Además, todos los personajes, criados o nobles, hombres o mujeres; hablan con un lenguaje coloquial propio de la calle.




La influencia de la literatura italiana en la primera parte del siglo XVI es muy marcada. Los temas de amor pastoril y los contenidos mitológicos impregnan muchas de las obras de los autores españoles del primer tercio del siglo XVI. El intercambio cultural con Italia durante está época fue muy marcado ya que muchos autores italianos eran invitados a representar en España ante la corte. Los autores más destacados de este periodo son:

Juan del Encina, que puede considerarse como el primer director de escena español. En sus obras se mezclan elementos italianizantes, con la música y el folclore español. Juan del Encina es considerado como el autor que da paso de un teatro de corte medieval a otro mucho más desarrollado plenamente renacentista. Entre sus obras están Egloga de Plácida y Victoriano, que en realizan es una egloga pastoril representada aquí como una obra dramática.

Lope de Rueda: Las cuatro comedias en prosa conocidas; Eufemia, Armelina, Los engañados y Medora no ocultan sus antepasados plautinos o terencianos e influidos por las novedades de Bibbiena. El mayor mérito que es atribuye a Lope de Rueda es haber introducido una serie especie de intermedios, no solo entre acto, sino ente escenas de la propia comedia que llamo Pasos. en ellos a parte de utilizarlos como descanso y divertimento de los lances de la comedia, surgen las caracterizaciones de los personajes de la vida diaria; el criado, el rufián, el bobo...Alguno de esos pasos son: Las aceitunas, Pagar o no pagar, Cornudo y contento, La caratula y La generosa paliza.

Tendencia clasicista

También durante la primera mitad del siglo XVI se vive, un cierto desarrollo de la tragedia clásica a través del espíritu humanista que proviene de Italia. Su desarrollo es propio de conventos y universidades, por que su difusión es reducida. Es un teatro para un público minoritario, ya que la lengua tampoco estaba en el castellano de la calle. También muchos de los autores se dedican a la traducción y adaptación de los clásicos que en muchos casos resulta desastrosas, cambiando la métrica y suprimiendo escenas. Quizá la Tragedia de San Hermenegildo sea una de las más importantes,




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representada hacia 1580, representada para inaugurar la nueva sede de los jesuitas en Sevilla.



Tendencia religiosa

El teatro religioso tiene un inusitado esplendor en el siglo XVI justo cuando en el resto de los paises europeos se estaba empezando a perder. Esto es debido al apoyo de los emperadores Carlos I y Felipe II a la iglesia de Roma, en defensa de la religión y en contra de la reforma de Lutero, justificando así en muchos casos los conquistas por defensa de la fe. A partir del concilio de Trento (1565-1566), se prohibe la interrupción del oficio divino con diversiones y la representación dentro de la iglesia, obligando a los obispos a ejercer de censores. Se prohibe también el ejercicio de los clérigos como actores. Esto provoca que la mayor parte de las obras de este momento tengan una apariencia de farsas a lo divino, muchas de ellas sin firmas. Entre los títulos más significativos se puede destacar: Auto del pecado de Adán, el Auto de Cain y Bel, el Auto del Hijo prodigio, el Auto de Santa Elena...

Todo ello, lleva al surgimiento del auto sacramental, que eran una prolongación de las fiestas medievales y de las farsas sacramentales de principios del siglo XVI, obligadas a evolucionar por el Concilio de Trento. Los autos se representaban sobre todo durante la fiesta de Corpus Christi con toda solemnidad. Después de la procesión que se celebraba por la mañana y tras una comedida se representaba el auto, al aire libre. A medida que el auto se desarrolla este tiene la misma estructura que la que los espectadores verán en los corrales de comedias; una loa para explicar a los espectadores lo que van a ver, entremeses, mojigatas y bailes. Los autores ayudaban así a que el público comprendiera los misterios de la teología cristiana. Alguno de los autos más importantes son: El gran teatro del mundo, de Calderón.

Sin embargo, el peligro de confundir el carácter religioso de las obras, junto con las prohibiciones hizo descender el ejercicio de esta dramaturgia, los autos se fueron reduciendo y comenzaron a ser interpretados por niños. Este es el origen del villancico que no sólo es canción sino también en un primer momento danza, representación y una pequeña tramoya.



Comedia nacional

Desde 1580 la escena española estaba en un punto en el que la comedia se había desarrollado como género total y emblemático de un estilo de vida, sobre ella habían influido las tendencias italianizantes y las religiosas. A partir de ahora se une el toque nacional para configurarla como propio del teatro español.





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Juan de la Cierva podemos decir que es el inaugurador de esta tendencia, en la que la historia de España va a ser uno de los ejes de la dramaturgia. Entre sus obras están; Los siete infantes de Lara, La muerte del rey Don Sancho y El saco de Roma.

El desarrollo continuó con Cervantes, aunque no gozó nunca de una fama como autor teatral. Siendo especialmente importantes sus entremeses que resumen todo lo que va a ser la comedia española en todo su esplendor. Algunos de sus entremeses son: El rufián viuda, La elección de los alcaldes de Daganzo, La guarda cuidadosa, El juez de los divorcios, El vizcaino fingido, El retablo de las maravillas, El viejo celoso...


Como obra completa destacar: El cerco de Numancia

Las características generales más importantes son:

1. La acción tiene más importancia que la caracterización. Los personajes están menos terminados psicológicamente que los ingleses.
2. El tema prima sobre la acción. Siendo este tema el ensalzamiento de la monarquía, olvidando muchas veces la verosimilitud.
3. La regla de las tres unidades de tiempo, acción y lugar, no se cumple, cuando mínimo la de acción no se respeta ya que existe una acción principal y una secundaria que suele estar realizada por los criados.
4. El tema subordinado a un propósito moral y se desarrolla mediante la justicia poética. Hay un fondo moral donde el malo es castigado y los buenos ganan.
5. El propósito dramático se explica mediante la causalidad dramática. Los autores intentan mantener el suspense hasta el final. Siendo el desenlace muy breve.
6. Los personajes típicos son: El rey que si es viejo es prudente y justo y si es joven injusto y soberbio, el noble, que suele ser el antagonista de la obra y que impide que los demás logren sus propósitos, el caballero que suele ser el padre, el hermano o el esposo y defiende la honra, siguiendo el orden social establecido. Su venganza no es personal sino moral, ya que esta obligado a ello. El galán, que es protagonista es el enamorado paciente, joven, un tanto alocado y celoso. El donaire o gracioso que uno de los personajes mejor conseguidos de la comedia española y que representa al criado...
7. A parte del tema central del amor ente los protagonistas de fondo subyacen otros temas como el de la honra. En el que el campesino y pequeño burgués debe de defender su moralidad frente al noble que se la arrebata con alguna injusticia cometida por la fuerza; como la violación de una hija.


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Teatro del siglo XVIII

El siglo XVIII continúa la posición de Francia como primera potencia. En España la Guerra de Sucesión (1701-1713) pondrá la corona en manos de una dinastía francesa, los Borbones.

Luis XIV, el rey Sol, muere en 1714 y deja un enorme imperio a Luis XV, durante el cual se va a dar un estilo que a veces toma su nombre pero que en general se suele definir como rococó.

Es el estilo de la ostentación por antonomasia y, aunque en un principio esta sea real (se usan los materiales más ricos con profusión), acabará siendo pura apariencia. En parte por el progresivo deterioro de las finanzas, en parte por el gusto por el detalle, los espacios adquieren dimensiones más modestas: desaparecen los grandes salones barrocos para dar paso a las típicas salas puntillosamente decoradas, con abundancia de motivos vegetales, rocallas, figuras mitológicas, y colores pastel que combinan sutilmente con las lineas curvas de la composición. Los temas de la escultura y la pintura casi siempre tienen un fuerte componente sensual.

Todo este espectáculo de vanidad es lógico que se reflejara en el teatro, el lugar que mejor podía servir para exhibirse. La sociedad de la época construyó los ejemplos más brillantes: la Scala de Milán, la Fenice de Venecia, el teatro de San Carlos y el Malibrán en Nápoles, el Covent Garden y el Savoy en Inglaterra, el teatro de la Santa Creu en Barcelona, ...

La Ópera

El desarrollo del "bel canto" no se verificó hasta el siglo XVIII, consolidando el género melodramático, sobre todo en Italia.

Se trata de una representación teatral cantada, con acompañamiento orquestal.

Se compone de una serie de escenas encuadradas, a menudo, en partes puramente sinfónicas: obertura, interludios e intermedios. Las partes cantadas constan de fragmentos separados (forma antigua) o de escenas continuas.

Nace para intentar recuperar el drama antiguo, síntesis de poesía, música y danza. El primer ejemplo de este "estilo representativo o recitativo" es "Eurídice" de Peri (1600).

Desde Nápoles se extendió a Viena, sur de Alemania y España, y se creó el género popular: la ópera bufa.




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En Francia destacan Lully y Rameau, en Inglaterra Purcell, en Alemania Gluck. Mozart crea la primera gran ópera con "La flauta mágica". Beethoven ("Fidelio") y Weber seguirán el género.

En el XIX alcanza su esplendor en Italia con Donizetti, Rossini y Bellini. Y ya en la segunda mitad con Verdi y con Wagner.

En Francia destacan Lully y Rameau, en Inglaterra Purcell, en Alemania Gluck. Mozart crea la primera gran ópera con "La flauta mágica". Beethoven ("Fidelio") y Weber seguirán el género.

En el XIX alcanza su esplendor en Italia con Donizetti, Rossini y Bellini. Y ya en la segunda mitad con Verdi y con Wagner.

El drama

Este género escénico está entre la tragedia y la comedia tradicionales.

El aspecto realista empieza a entrar en el siglo XVIII en el teatro; las inquietudes contemporaneas provocan una mayor naturalidad en la interpretación, si bien esta tendencia convive con la clásica de movimiento acompasado, donde el comediante no debe dejarse llevar psicológicamente por ninguno de sus papeles.

La evolución desde el teatro cortesano lleva a tratar temas que reflejen los problemas de las masas. La acción se acerca al espectador: los actores tienden a ocupar la bocaescena.

La estética de las obra se sistematiza. Se estructura la acción para que suceda en un día y se da un tratamiento moralista a la fábula, siguiendo los preceptos de la Commedia dell'Arte italiana.

La comedia de magia

El teatro gozó de enorme popularidad en la España del siglo XVIII pero la calidad de las obras descendió muchísimo respecto al Siglo de Oro.

Las obras de los corrales derivaron hacias las comedias de magia, obras donde la tramoya era casi lo único importante. Esto se contagió a los Autos Sacramentales, pero el público no se implicaba espiritualmente como antaño y a la Iglesia no le gustaba la frivolización, por lo que en 1765 se prohibieron los Autos y en 1788 las comedias de santos.

La comedia de magia no es más que la explosión de la sensiblería que los ilustrados trataban de acallar. Duendes, encantamientos, enanos que se





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convertían en gigantes, peleas sucediéndose sin cesar y lugares exóticos que daban títulos como "El mágico de Mogol", "El mágico de Brocario" o "El mágico de Cataluña".


Una vez concluida el área de Teatro, nos enfocaremos a hablar sobre la historia del cine, que en relación con el teatro, las obras más importantes de cada época, son llevadas a la pantalla grande.



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HACIA LA CULTURA DEL SEPTIMO ARTE”
Todas las personas que trabajan en cine deben laborar muy fuertemente, y pensar y crear cosas diferentes. Cada uno tiene un gran talento y lo explota al máximo. Existen muchas cosas que no sabemos sobre cómo se hace cine: las técnicas que utilizan, las formas para editar, el cómo hacen los efectos especiales, y la tendencia de la gente hacia esta actividad comercial ¿te has preguntado alguna vez cómo se les ocurren los, temas y escenas diferentes?

Se trata de que, pensando en un tema, una persona vaya diciendo todo lo que se le viene a la mente, sin restringirse, sin pensar que son cosas de las que no vale la pena hablar. Pueden grabarlo o escribirlo.

Después de que tienen demasiadas ideas, eligen aquella que les parezca mejor. Pueden, además, volver a hacerlo para profundizar en esa idea que eligieron.

Es un buen ejercicio cuando se necesitan temas para hacer trabajos, o ideas originales para semanas de colegio, o para crear nuevas formas de enfrentar algún tema que te hayan entregado en el colegio.

Otra manera de que surjan más ideas es trabajando en grupo, porque al haber más personas las ideas se multiplican, y a partir de lo que dice uno, el otro asocia algo, y así sucesivamente.

EL FUNCIONAMIENTO DEL CINE:

Se basa en una propiedad de la retina del ojo humano conocida como principio de la persistencia de las impresiones retinianas. Cuando la lente del ojo, el cristalino, enfoca una imagen sobre la retina, los impulsos nerviosos que llegan al cerebro son estimulados por la secreción de unos fotopigmentos específicos, cuya actividad química persiste si la imagen desaparece repentinamente, manteniéndose la estimulación de las señales nerviosas durante un breve periodo de tiempo. La duración de este periodo de tiempo durante el cual la señal persiste, dependerá del estado de adaptación del ojo. Este principio fue formulado en 1829 por el físico belga Joseph Plateau, que fijó la duración de esta persistencia en una décima de segundo.

EL CINE DESDE SU HISTORIA HASTA NUESTROS TIEMPOS:

El cine se desarrolló desde el punto de vista científico antes de que sus posibilidades artísticas o comerciales fueran conocidas y exploradas.

Uno de los primeros avances científicos que llevó directamente al desarrollo del cine fueron las observaciones de Peter Mark Roget, secretario de la Real Sociedad de Londres, que en 1824 publicó un importante trabajo científico





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con el título de Persistencia de la visión en lo que afecta a los objetos en movimiento, en el que establecía que el ojo humano retiene las imágenes durante una fracción de segundo después de que el sujeto deja de tenerlas delante.

Este descubrimiento estimuló a varios científicos a investigar para demostrar el principio.

Tanto en Estados Unidos como en Europa, se animaban imágenes dibujadas a mano como forma de diversión, empleando dispositivos que se hicieron populares en los salones de la clase media.

En aquellos mismos años, William Henry Fox Talbot en el Reino Unido y Louis Daguerre en Francia trabajaban en un nuevo descubrimiento que posibilitaría el desarrollo del cinematógrafo: la fotografía, ya que sin este invento previo no existiría el cine.

Hacia 1852, las fotografías comenzaron a sustituir a los dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas, fue posible fotografiar un movimiento real en vez de poses fijas de ese movimiento. En 1877 el fotógrafo angloestadounidense Eadweard Muybridge empleó una batería de 24 cámaras para grabar el ciclo de movimientos del galope de un caballo.

Un paso relevante hacia el desarrollo de la primera cámara de imágenes en movimiento fue el que dio el fisiólogo francés Étienne Jules Marey, cuyo cronofotógrafo portátil (una especie de fusil fotográfico) movía una única banda que permitía obtener doce imágenes en una placa giratoria que completaba su revolución en un segundo.

Hasta 1890, los científicos estaban interesados principalmente en el desarrollo de la fotografía más que en el de la cinematografía.

Esto cambió cuando el antiguo inventor, y entonces ya industrial, Thomas Alva Edison construyó el Black Maria, un laboratorio cerca de West Orange (Nueva Jersey), que se convirtió en el lugar donde realizaba sus experimentos sobre imágenes en movimiento y el primer estudio de cine del mundo.

Su ayudante, William K. L. Dickson fue quien hizo en realidad casi todo el trabajo, diseñando el sistema de engranajes, todavía empleado en las cámaras actuales, que permite que la película corra dentro de la cámara, e incluso fue él quien por vez primera logró en 1889 una rudimentaria imagen con sonido.

Los experimentos sobre la proyección de imágenes en movimiento visibles para más de un espectador se estaban desarrollando simultáneamente en Estados Unidos y en Europa; en Francia, a pesar de no contar con la gran infraestructura industrial de Edison, los hermanos Louis y Auguste Lumière



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llegaron al cinematógrafo, invento que era al tiempo cámara, copiadora y proyector, y que es el primer aparato que se puede calificar auténticamente de cine, por lo que la fecha de su presentación pública, el 28 de diciembre de 1895, y el nombre de los inventores son los que han quedado reconocidos universalmente como los iniciadores de la historia del cine.

Los hermanos Lumière produjeron además una serie de cortometrajes con gran éxito, de género documental, en los que se mostraban diversos elementos en movimiento: obreros saliendo de una fábrica, olas rompiendo en la orilla del mar y un jardinero regando el césped. Uno de sus cortometrajes más efectistas para demostrar las posibilidades del nuevo invento fue el que mostraba a un tren correo avanzando hacia el espectador, lo que causaba gran impresión en el público asistente.

En 1896 el ilusionista francés Georges Méliès demostró que el cine no sólo servía para grabar la realidad, sino que también podía recrearla o falsearla. Con estas imaginativas premisas, hizo una serie de películas que exploraban el potencial narrativo del nuevo medio.

En un estudio en las afueras de París, Méliès rodó el primer gran filme puesto en escena cuya proyección duró cerca de quince minutos: L’Affaire Dreyfus (El caso Dreyfus, 1899) y filmó Cendrillas (Cenicienta, 1900) en 20 escenas. Pero sobre todo a Méliès se le recuerda por sus ingeniosas fantasías como Viaje a la luna (1902) y Alucinaciones del barón de Münchhausen, en las que experimentaba las posibilidades de los trucajes con la cámara de cine.

El estilo documentalista de los hermanos Lumière y las fantasías teatrales de Méliès se fundieron en las ficciones realistas del inventor estadounidense Edwin S. Porter, a quien se le atribuye en ocasiones la paternidad del cine de ficción.

Produjo la primera película estadounidense interesante, Asalto y robo de un tren, en 1903. Esta película, de 8 minutos, influyó de forma decisiva en el desarrollo del cine porque incluía innovaciones como el montaje de escenas filmadas en diferentes momentos y lugares para componer una unidad narrativa.

Al hacer esto, Porter inició el montaje, uno de los fundamentos de la creación cinematográfica, proceso en el que diferentes fragmentos elegidos de las diversas tomas realizadas —o disponibles— se reúnen para conseguir un conjunto coherente.

Las pequeñas salas de cine, conocidas como nickelodeones, se extendieron por Estados Unidos, y el cine comenzó a surgir como industria. La mayoría de las películas de la época eran comedias breves, historias de aventuras o grabaciones de actuaciones de los actores teatrales más famosos del momento.




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